El rollo de la villa

Rollo de justicia

Rollo de justicia de Boadilla del Camino (Palencia)

Si uno viaja por España, puede ver como en ciertos municipios hay una columna normalmente de piedra en medio de una plaza o rotonda. Esa columna no es un simple monolito. Se encontraba en las villas en las que se podía impartir justicia y por tanto tenían plena jurisdicción. Estos rollos se estuvieron utilizando durante siglos. Si un municipio no tenía un rollo de justicia este no podía impartir justicia y tendría que depender de otro para dar solución a los conflictos judiciales. Así si en un pueblo había un conflicto entre dos de los vecinos, no tenía plena jurisdicción y por tanto rollo, estos tenían que ir al municipio del que dependiesen. Lo que era algo costoso para las personas implicadas en el conflicto en la época. Recibir el derecho a impartir justicia, implicaba subir de categoría, convertirse en villa, se les concedía el villazgo. No solo posibilitaba impartir justicia, el municipio que se convertía en Villa, podía poner mojones a su territorio, de tal forma que ponía límites a su jurisdicción, podía celebrar ferias, mercados, tener alguacil... Había que pagar por este título, pero la Villa ganaba más gracias a los derechos concedidos. En 1812, durante la Guerra de Independencia española, en las Cortes de Cádiz se decretó la eliminación de los mismos, debido a que muchos de ellos se utilizaban también como picotas de para ajusticiar. Se quería prohibir el uso de la picota de ajusticiamiento y ante la imposibilidad de diferenciar en muchos casos entre la picota y el rollo se decidió eliminar ambos. Muchos municipios decidieron desoír y desobedecer el decreto y no derribando el rollo. Esta medida fue derogada con la llegada de Fernando VII a España, lo que hizo que no se perdiera el rollo de justicia de la geografía española.

Escuchar la música

Manuel Raquel

Es el título de la canción del grupo español Tam Tam Go! de 1988 parte de su disco Spanish Shuffle. Esta canción es la que aupó al grupo a la fama gracias a sus ritmos más latinos en contraposición al resto de canciones. Se trata de la única canción en español del álbum. La letra del cineasta Ricardo Franco, narra la historia de una mujer trans, Raquel la cual se suicida tras no poder soportar la rigidez de una sociedad conservadora y que persigue a las personas trans. Describe como Manuel desde pequeño era un niño diferente y que no encajaba con lo que se entiende normal para un hombre. La canción está cantada como si el narrador se dirigiese a Manuel a quien le cuenta como Raquel no sobrevivió la dura vida que tienen las personas trans tras haber salido del armario. Como Raquel, aunque libre, por fin, no soportó la persecución social e incluso policial, Cuando, el narrador de la historia, y Raquel son adultos se vuelven a ver y él lamenta su pérdida y lo difícil que era la vida para las personas trans, algo que no ha cambiado mucho en la actualidad. Como, por desgracia, la sociedad les empuja al suicidio. El narrador, amigo de Raquel no soporta el no haber podido salvarla y no haberse despedido de ella. Sin que Raquel, se quejase en ningún momento. Viviendo su infierno personal en silencio. Aunque, la canción narre una historia desde la perspectiva de la España de finales de los ochenta, hay que recordar que en España el 80% de las personas trans se encuentra en paro o el 58% de estudiantes trans reciben agresiones en forma de acoso, insultos o amenazas o más del 50% de chicos trans y cerca del 30% de chicas trans en EE. UU. han pensado en suicidarse. 

Letra:

Cuando llegó era un niño delicado

No quería mancharse jugando en el descampado

Era un tipo legal, un amigo, un aliado

Había vivido arrogante aquel error inocente

Llevar en cuerpo de hombre, una mujer en su mente

Era un hombre tranquilo

Ella una dama valiente

Oh, Manuel Raquel

Manuel Raquel no aguantó

Siquiera el primer invierno

Volando sobre un tacón

De las redadas huyendo

La última vez que le vi

Nos fuimos a emborrachar

Debajo del maquillaje

No pudo disimular

Un cierto pudor antiguo

Y al fin un poco de paz

Quiso volar y saltó

No pude llegar a tiempo

Las lágrimas sin dolor

Me las ha arrancado el viento

Se fue sin decir adiós

Sin un grito, ni un lamento

Creo que iba contento

Manuel Raquel no aguantó

Siquiera el primer invierno

La detuvieron mil veces

La pobre se fue rompiendo

Es muy difícil pasear

De incógnito en el infierno

Oh, Manuel

Oh Raquel

Se marchó

Es sólo una baja más

Manuel Raquel no aguantó

Siquiera el primer invierno

Volando sobre un tacón

La pobre se fue

Oh, Manuel

Oh, Raquel

Se marchó

Es sólo una baja más

Y se fue, sin disparar

Y se fue, sin apuntar

Y se fue, sin acusar

Y se fue

Oh Manuel Raquel

Y se fue, sin señalar

Y se fue...

La ciencia del cine

Hedy Lamarr

(1914-2000)

De nombre real Hedwig Eva Maria Kiesler, fue una actriz de cine e inventora de origen austriaco. De pequeña  ya se sabía que era superdotada y empezó a estudiar ingeniería, pero dejó los estudios para empezar su carrera de actriz. Fue considerada una de las mujeres más hermosa de Europa y una pionera en ambos campos. En 1933 protagonizó la película Éxtasis en la que realizó el primer desnudo y la primera simulación de un orgasmo de la historia del cine. Aunque, fue un escándalo mundial, el papel le hizo famosa. Durante su matrimonio con Fritz Mandl, quien la obligaba a hacer todo lo que él quería y le permitía, su marido se dedicaba a vender armas al dictador Mussolini, mientras que ella se dedicaba a recoger la información armamentística de las reuniones de él con los fascistas. Durante un viaje de negocios de su marido al que Hedy acompañó, ella se escapó por la ventana del servicio de un restaurante y huyó a París y de allí a Estados Unidos. Fue en este viaje en la que se cambiará el nombre de Hedwig a Hedy a petición del productor Louis B. Mayer a quien conoció en la travesía a los Estados Unidos. Eligió el apellido de Lamarr en honor a la actriz de cine mudo Bárbara La Marr. A su llegada al país americano no paró de trabajar en diferentes películas como Cenizas del amor o Sansón y Dalila. Durante la Segunda Guerra Mundial, Hedy se ofreció al Gobierno de los Estados Unidos. Fue trabajando para el gobierno estadounidense cuando se dio cuenta de que las señales de radio eran muy débiles y se podían interceptar. Junto con el compositor George Antheil ideó un sistema de detección de torpedos teledirigidos. No se tomó en serio este nuevo sistema por el gobierno estadounidense, hasta que en 1962 estalló la crisis de los misiles cubanos. Este método fue el padre del actual GPS o de la red Wifi. Tras la Segunda Guerra Mundial Hedy Lamarr entra en declive, en el mundo de las pastillas y se volvió cleptómana. En 1997, le concedieron el Pioneer Award a lo que ella comento: "Ya era hora". Moriría tres años después en Estados Unidos con 85 años de edad. En Austria, el Día del Inventor se celebra el 9 de noviembre, el día del nacimiento de Hedy Lamarr en su honor.

Siete dolores tiene la Virgen, como vidas un gato

Virgen de los Dolores por Felipe Corral. Ig. de la Vera Cruz (Salamanca)

Los siete dolores de la Virgen

Durante de la vida de de la Virgen María tuvieron lugar una serie de hechos, que ahora se agrupan y se conocen como los siete dolores de la Virgen. Los siete dolores de la Virgen son los siguientes:

1. La Profecía de Simeón (Lc. 2, 22' 35): donde Simeón lanza la siguiente profecía a la Virgen tras la circuncisión de Jesús: "Este Niño está puesto para ruina y resurrección de muchos de Israel, y una espada traspasará tu alma".
2. La Huida a Egipto (Mt. 2, 13-15): en la que la Sagrada Familia se ve obligada a huir a Egipto para que Herodes no asesine a Jesús.
3. La Pérdida de Jesús en el Templo (Lc. 2, 41-50): La Virgen María encuentra a Jesús tras tres días de búsqueda en el templo.
4. María encuentra a Jesús en el Vía Crucis (Vía Crucis, 4.ª estación)
5. Crucifixión y muerte de Jesús (Jn. 19, 17-30)
6. Descendimiento de la Cruz (Mc. 15, 42-46)
7. Entierro de Jesús (Jn. 19, 38-42)

La figura de la Virgen de los Dolores se suele representar con rasgos de tristeza y dolor, con el rostro lleno de lágrimas y con siete espadas clavadas en el corazón. La festividad se celebra a lo largo de todo el mundo, especialmente en España y Latinoamérica cayendo en el Viernes de Dolores. En el Concilio Vaticano II, con la eliminación de las fiestas "duplicadas" se suprimió la fiesta que tenía lugar el viernes anterior al Domingo de Ramos, manteniéndose la que tenía lugar el 15 de septiembre. En caso de que en alguna zona hubiese gran devoción y celebración de ambas fiestas o de la suprimida, la Santa Sede permite que se mantenga la fiesta sin ningún problema.

El oso presidencial

El nacimiento del osito de peluche

Todos o casi todos hemos recibido un osito de peluche como primer regalo nada más nacer o nos lo han regalado en el día de los enamorados. Aunque se le conoce como osito de peluche o osito de felpa, en los paises anglosajones se le conoce como Teddy Bear. Recibió el nombre de Teddy en honor al Presidente de los Estados Unidos Theodore Roosevelt, al que se conocía comúnmente por Teddy. Se le puso ese nombre al peluche debido a un acontecimiento que tuvo lugar en Mississippi en 1902. Roosevelt viajó a Mississippi a una cacería invitado por el gobernador Andrew H. Longino. En la cacería los asistentes del presidente arrinconaron, ataron un oso y llamaron a Roosevelt para que le disparasen, pero él se negó ya que consideró que era antideportivo. Esta historia se vio reflejada en una caricatura del periódico The Washington Post por el dibujante Clifford Berryman. Morris Michtom se inspiró de esta caricatura para crear el osito de peluche. Cuando ya lo tenía hecho lo puso en ele escaparate de su tienda y le puso el nombre de Teddy's bear (Osito de Teddy) tras recibir el permiso de su presidente, convirtiéndose en un gran éxito de ventas. Debido a esto se Michtom fundó Ideal Novelty and Toy Co. El osito de peluche, en realidad puede que tenga otro padre. En esa misma época en Alemania la empresa Steiff sin saber de la existencia del osito de Michtom, dio a un modelo parecido al estadounidense. Desde su nacimiento en 1902 ha ido evolucionando y cambiando su forma y tejidos y ha protagonizado libros, canciones y películas, como son la historia de Seymour Eaton The Roosevelt Bears, mientras que John Walter Bratton creó la música de The Teddy Bears' Picnic con la letra de Jimmy Kennedy.

El triángulo por bandera

Bandera de Nepal

Estamos muy acostumbrados a ver banderas en la calle y suelen ser rectangulares o cuadradas, sorprendiéndonos si no tienen estas formas. En la vida y en las banderas existen excepciones y sorpresas. Una de ellas es la bandera de Nepal. La bandera de Nepal es la única bandera nacional que no es un paralelogramo y junto a la de de Ohio, las dos únicas estatales que no son rectangulares. Esto era algo común en el subcontinente indio, en el cual durante la antigüedad las banderas eran triangulares, siendo Nepal el único país que con el tiempo no cambió la forma de su estandarte. Que sean dos triángulos se a la unión de los dos pendones con la unificación de los principados de Nepal por el rey Prithvi Narayan de Nepal. Está compuesta de dos triángulos, que representan el Himalaya o las dos religiones de Nepal: el budismo y el hinduismo. Dentro de cada triángulo hay un símbolo en blanco, el de arriba una luna representando a la Casa Real nepalí, mientras que el de abajo, un sol, representa a una rama de la Dinastía de Rana, que gobernaba en el país hasta 1961. Otra versión, es que la Luna y el Sol representan el tiempo que quiere que dure Nepal, tanto como los astros. Hasta 1962, con la llegada de un gobierno constitucional, se eliminaron las caras que había en la antigua versión de la bandera. El rojo, color mayoritario de la bandera es el color del rododendro o azalea, planta símbolo del país, de la victoria en la guerra o la valentía del pueblo nepalí. El azul en cambio representa la paz y la armonía.

Campana sobre campana

El carrillón o carillón

Este instrumento también conocido como órgano aéreo u órgano de campanas, es un instrumento de percusión. El carrillón está formado por campanas de bronce con la forma de copa que cuelgan fijas y se mueven los badajos que permiten crear la melodía. Se utiliza una consola para hacer mover los badajos a los cuales están unidos a este mecanismo por los cables. Dependiendo de la disposición de las campanas la música que se pueda tocar será completamente diferente. Las campanas se disponen según la escala musical y pueden ser golpeadas de diferentes maneras: a mano o con martillos. La primera forma ya a parece en miniaturas de códices del siglo XI y XIII, mientras que la segunda se utilizó por primera vez en Flandes en la ciudad de Alost en 1487 que en siglos posteriores con su extensión por Europa llegó a tener hasta 80 campanas. Aunque se conoce la existencia de carrillones de del siglo XI, las primeras piezas recogidas de las que se tiene constancia son del siglo XVII, siendo más comunes las obras creadas para otros instrumentos preparadas y arregladas para este instrumento, ya sean himnos o canciones folklóricas. La torre de San Rumoldo, en Malinas (Bélgica) está el que probablemente sea el carrillón más grande con 98 campanas al igual que la Real Escuela de Carillón fundada en 1922 por el compositor y constructor de este instrumento Jef Denijn.

¿Y qué leo ahora?

Las aventuras de Tom Sawyer de Mark Twain

Las aventuras de Tom Sawyer es el título de la famosa novela de Mark Twain de 1876. Cuenta la historia de un niño llamado Tom Sawyer en la ciudad ficticia de St. Petersburg cerca del río Missipi. La historia tiene lugar en la década 1840 y St. Petersburg está basada en la localidad de Hannibal en Missuri donde Twain pasó su infancia. En esta novela, Tom Sawyer sufre varias aventuras junto con su mejor amigo Huckleberry Finn. Aunque es un clásico de la literatura estadounidense, no fue un gran éxito en un inicio, pero se acabo convirtiendo en la novela mejor vendida durante la vida de Twain. Esta novela tiene una secuela, Las aventuras de Hucleberry Finn, que aunque no es tan conocida como la historia protagonizada por Tom Sawyer también está considerada como una obra maestra y fue una de las primeras novelas escritas con una máquina de escribir. Además de la localización de la historia en St. Petersburg basada en Hannibal, la historia tiene ciertos pasajes inspirados en la vida de Twain. Ha sido criticada severamente por ser entendida como racista debido al trato y descripción de los nativos americanos, caracterizados por Joe y por el vocabulario hacia los negros. Las aventuras de Tom Sawyer ha tenido diferentes adaptaciones a diferentes formatos (cine, teatro, animación...).

Lo mejor: su reflejo de la sociedad estadounidense de la época.

Lo peor: en ciertos momento no pasa nada muy importante, aunque no se hacen pesados.

Volver a empezar

El uróboros

Es el nombre con el que se conoce al símbolo del ciclo eterno, la lucha eterna o el esfuerzo sin fin o inútil. También escrito como ouroboros o uroboros, viene del griego "que se come la cola" y se suele representar como una serpiente o un dragón que forma un círculo al comerse la cola. Este símbolo se ha utilizado a lo largo de miles de años por diversas culturas, de forma similar en todas ellas. Ejemplo de ello es su uso por parte de los antiguos egipcios, como las representaciones jeroglíficas del sarcófago de la pirámide de Unis, de hacia 2300 a. C. También se pueden encontrar en la cultura nórdica mediante la serpiente Jörmundgander que creció de tal manera que rodeo el mundo y tuvo que coger la cola con sus dientes, para los escandinavos también representaba el querer conseguir el conocimiento de lo oculto. También representaba a algunos fenómenos naturales que suben hasta un punto, pero siempre acaban cayendo como es el Sol o las olas, la naturaleza que vuelve a empezar. Por ello se ha relacionado con el mito de Sísifo que fue castigado a subir una ladera empinada empujando una gran roca y antes de acabar esta caía una y otra vez y Helio, quien, como dios del Sol sale al amanecer y desaparece tras el horizonte en el ocaso. En el campo de la alquimia se utilizaba para la representación de los materiales que nunca desaparecen sino que cambian de forma. El primer texto de esta materia donde aparece representado es en Chrysopoeia del siglo II, escrito en Alejandría por Cleopatra la Alquimista. Se reproduce como mitad blanco, mitad negro, como las dos partes de un todo, como lo consciente y lo inconsciente o la vida y la muerte, que puede recordar al yin y yang

Ver el arte

La Virgen de los Obreros o Ensueño

Estos son los títulos con los que se conoce a la obra de Vicente Cutanda que presentó a la Exposición Nacional de Bellas Artes del año 1897. En la actualidad y desde 1992 se encuentra en el Museo de Santa Cruz de Toledo, ciudad en la que realizó gran parte de su obra pictórica y falleció en 1925.

VER IMAGEN SIN NÚMEROS

1. Vicente Cuntanda representa la escena en los Altos Hornos de Vizcaya, en un ambiente totalmente de industrial de finales del siglo XIX, algo que se ve reflejado en diferentes ocasiones en la obra de este pintor y que le dio reconocimiento. Un ejemplo de esto es su obra La huelga de los obreros de Vizcaya con la que en 1892 consiguió la Medalla de primera clase de la Exposición Nacional de Bellas Artes.
2. La protagonista es una mujer que va de camino a la fábrica con su hijo para llevarle la comida a su marido que carga en la cesta que lleva en la otra mano. La mujer rehuye la mirada y camina cansada hacia el lugar del trabajo de su marido resignada.
3. No solo es resignación, también porta esperanza y la vida, dentro de un ambiente de humos resaltados por esos colores grises, marrones y sin brillo que inundan la imagen, en contraste con las otras dos mujeres a la derecha de la escena que se entreven cuyo gesto es todavía más triste y solamente portan la cesta de comida. Se puede sentir con solo echar una rápida mirada al cuadro se un ambiente agobiante y una sensación de que no se puede respirar.
4. Dentro de los grises, se pueden medio ver dos halos blancos en las cabezas de la mujer y del niño, es la representación de la Virgen. Una representación de una Virgen que rompía con todas las imágenes tradicionales de la madre de Jesús. Representa la imagen de una Virgen realista para la época, algo que remarca con las pinceladas rápidas y erráticas, no quiere retocar la obra. La realidad tiene fallos, no es artificial.

No es Munch todo el arte noruego

Gustav Vigeland

(1869-1943)

Aunque el artista más conocido de Noruega es Edvard Munch, el país escandinavo también ha sido la cuan de otros menos conocidos como es el caso de Gustav Vigeland. Nacido en Mandal, al sur de Noruega, en 1869 era el tercer hijo de una familia de artesanos y contables. Hermano del también artista Emanuel Vigeland. Desde joven destacó en el trabajo de la madera, por lo que fue enviado a trabajar en Oslo bajo las órdenes del escultor Floed. A los 17 tuvo que volver, debido a la muerte de su padre y estuvo viviendo con su madre y sacando a su familia adelante durante dos años. Transcurridos los mismos regresó a Oslo, dónde mostró sus dibujos al escultor Brynjulf Bergslien quien le consiguió la ayuda financiera del profesor de hustoria del arte Lorenz Dietrichson, que consideraba a Vigeland como un genio. La obra Hagar og Ismael de 1889 expuesta en en la Exposición Nacional de Escultores, le hizo ganador de una beca que le permitió viajar por Europa. En viaje conoció la obra de Auguste Rodin en París y Italia el arte antiguo y del Renacimiento. A su vuelta empieza a realizar sus primeras exposiciones, con criticas dispares, las cuales no le salvaron de la miseria. En esos años trabajó en diversos encargos como el de la restauración de la catedral de Trondheim, el cual dejó en 1902. En busca de un buen taller donde trabajar, volvió a Oslo, coincidiendo con la independencia por parte de Noruega de Suecia en 1905. Gracias a este hecho histórico Vigeland que era considerado el mejor escultor noruego recibió muchos encargos para celebrar la cultura e historia del país. Uno de estos encargos fue el de la ciudad de Oslo que le cedía un taller a cambio de los derechos de propiedad de toda su obra. El taller de Kirkeveien se convertiría más tarde en el Museo Vigeland. En 1906 presentó la fuente monumental, que se emplazaría en frente al Parlamento Nacional, pero como no se estaba de acuerdo en su emplazamiento definitivo, hasta que se llegó a la decisión definitiva para su ubicación, Vigeland añadió varios grupos escultóricos que culminó en 1919 con la realización de una columna de granito. Todo este proyecto, se instaló el parque Frogner que se encontraba cerca de su propio taller y que recibiría el nombre de parque de Vigeland. Fallecería en 1943 y cuatro años después se terminaría de instalar todo el conjunto escultorico en el parque según el diseño de Gustav Vigeland. Sus cenizas se encuentran en la torre del Museo de Vigeland, tal y como estaba previsto, junto a algunas de sus obras.

Construir edificios

Mausoleo de Lenin

Tras la muerte en 1924 de Vladímir Ilich Uliánov, conocido como Lenin, se levantó por ordenes del gobierno soviético el mausoleo que permitiese exponer el cuerpo embalsamado del líder soviético. Desde ese momento, salvo en momentos de guerra se encuentra el cuerpo. Fue construido a partir del diseño del arquitecto Alekséi Shchúsev, el cual se inspiró en los mausoleos de la antiguedad como la Pirámide de Zoser en Egipto y la tumba de Ciro el Grande y fue construido con granito. Lenín murió el 21 de enero de 1924 y tan solo dos días después, tras haber sido embalsamado el cuerpo, se encargo a Shchúsev la construcción de la tumba en tres días. Así el 27 de enero se construyo un mausoleo de madera en la Plaza Roja de Moscú. Se tubo que esperar hasta agosto de ese mismo año a que Konstantín Mélnikov construyera un sarcófago más "adecuado" para la ocasión. Cuatro años después y para que se preservase mejor el cuerpo, siendo encargado este nuevo mausoleo a Alekséi Shchúsev, I.A. Frantsuz y G.K. Yákovlev, terminándose en 1930. Fue construido con mármol, pórfidos, granito y labradorita. Desde 1953 y 1961 el dictador cuerpo de Iosef Stalin se encontraba junto a Lenin, siendo retirado con el proceso de desestalinización. En 1973 se construiría el sarcófago definitivo de manos de Nikolái Tomski. Desde 1924 y hasta 1993 hubo una guardia de honor durante las 24 horas del día y que es conocida como "Centinela número uno", siendo traslada en 1993, a la Tumba del soldado desconocido. En la actualidad es una de las mayores atracciones turísticas de Rusia y se cierra un par de meses al año para retocar el cuerpo de Lenin. Se ha planteado el cierre y traslado del cuerpo a una tumba común en varias ocasiones, pero no se ha realizado este cambio ni se ha decidido este final, hasta que no se consiga un consenso de todos los rusos