tag:blogger.com,1999:blog-5755157245863554742024-03-14T04:02:31.062+01:00La esquina de la culturajmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.comBlogger421125tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-20075612332385637042022-02-09T21:01:00.002+01:002022-02-09T21:01:34.545+01:00Ver el arte<div style="text-align: center;"><u><b>Adán y Eva</b></u></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://uploads3.wikiart.org/images/albrecht-durer/adam-and-eve-1507.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="608" height="320" src="https://uploads3.wikiart.org/images/albrecht-durer/adam-and-eve-1507.jpg" width="243" /></a></div><br />Forman ambos parte de un díptico pintado en 1507 por el artista alemán Alberto Durero y que se pueden encontrar en el Museo del Prado de Madrid.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><ol><li>Es un díptico que no pertenece a un conjunto religioso con gran valor religioso, ni a un tríptico, ni a un altar, algo que no era habitual, pero que que se debe contemplar sin separarlas, para poder entender su composición y la relación entre los dos personajes, sus gestos y sus miradas. Dado que no tienen un gran valor religioso, Durero realizó esta magnifica obra para realizar un estudio anatómico de las proporciones humanas.</li><li>En 1504 realizó una <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/76/Albrecht_D%C3%BCrer_-_Adam_and_Eve_%28NGA_1943.3.3492%29.jpg" rel="nofollow" target="_blank">estampa</a> donde se muestran a la pareja rodeados por vegetación y animales y en tres años realizó las pinturas, mostrando una cierta obsesión por el tema. Esto no sucede en la obra de 1507 donde el fondo oscuro quita las "distracciones", solo manteniendo un suelo rocoso y el árbol del conocimiento, del bien y del mal pasa a un lado, eliminando el protagonismo que sí tiene en la estampa de 1504.</li><li>Adán recuerda a Apolo, el dios de la belleza y serenidad del clasicismo griego. Eva, en cambio, es Venus, con una postura con más gracia y que da la sensación que va a empezar a bailar. Mezcla así, el cristianismo con el la mitología clásica, algo que realizaban otros genios del Renacimiento italiano como Miguel Ángel y Leonardo.</li><li>El díptico ha viajado y cambiado de ubicación en numerosas ocasiones. No se sabe qué empujó a Durero a realizar la obra, pero a la muerte del pintor en 1528 fueron adquiridas por el Ayuntamiento de Nuremberg. En 1586 pasaron a las manos del emperador Rodolfo II, y cuando Praga cayó en manos de los suecos, empezó a formar parte de la colección sueca. En 1654, Cristina de Suecia las regaló a Felipe IV, ya que quería enfocar su colección en el arte italiano. El monarca español las instaló en las llamadas bóvedas de Tiziano del Real Alcázar de Madrid, junto con el resto de su colección de desnudos.</li></ol></div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-24490344986395970862021-12-26T17:06:00.093+01:002021-12-26T17:06:00.254+01:00Escuchar la música<p style="text-align: center;"><b><u>El scat</u></b></p><p style="text-align: center;"><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ksmGt2U-xTE" title="YouTube video player" width="560"></iframe></p><p style="text-align: justify;">En las improvisaciones de jazz se suelen usar sílabas sobre la melodía, con las cuales los vocalistas intentan copia el fraseo y el timbre de los instrumentos ya sean saxos o trompetas o también la batería (algo menos común, pero que Ella Fitzgerald usaba). Este tipo de improvisación tiene fecha de creación, o por lo menos, de la primera vez que se grabó esta técnica. En 1926, Louis Armstrong junto con los Hot Five estaba grabando la canción The Heebie Jeebies Dance cuando a Armstrong se le cayeron los papeles que tenían la letra de la canción que estaban cantando. El cantante lo hace con mucho estilo, de tal forma que no sea un cambio drástico, sino gradual consiguiendo que a la vez que deja de repetir el estribillo deja de tener sentido la frase. Esto se conoce como la primera grabación, pero no es la fecha de su nacimiento, debido a que nada más nacer el jazz a finales del siglo XIX Joe Simms fue el primero en usarlo, según el pianista Jelly Roll contó en una entrevista al historiador Alan Lomax. El scat no se trata solamente de una improvisación y no intenta tapar un error, es algo consciente. El scat debe tener coherencia con la armonía y los cambios armónicos del tema, por lo que el que lo realiza debe tener buenos conocimientos de las armonías y muy buen oído. Ella Fitzgerald metió más complejidad en el scat introduciendo el bebop usando sílabas que empiezan por la letra d y con vocal pudiendo usar muchos cambios armónicos y velocidades muy altas.</p>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-551318771671606342021-12-12T13:57:00.091+01:002021-12-12T13:57:00.211+01:00Escuchar la música<div style="text-align: center;"><u><b>Eloise</b></u></div><div style="text-align: center;">
<iframe allow="encrypted-media" allowtransparency="true" frameborder="0" height="380" src="https://open.spotify.com/embed/track/6z9XVXX8AXxVunhocuLTMe" width="300"></iframe></div><div style="text-align: justify;">Es una canción original de Barry Ryan y su hermano gemelo y letrista Paul Ryan. La versión original de 1968 tiene una duración de cerca de cinco minutos contó con una fuerte orquestación, voces melodramáticas y un breve interludio lento y tuvo un gran éxito a lo largo del todo el mundo, especialmente en Australia y en Italia, siendo en el idioma de este último país en la que los hermanos Ryan hicieron una versión en ese mismo año. En 1986 The Damned, saco una versión como sencillo, que aunque no la incluyó en ningún álbum de estudio, si ha aparecido en más de un recopilatorio del grupo. Pero si hay que destacar alguna versión es la realizada por Tino Casal en 1987 que apareció en su disco Lágrimas de Cocodrilo. Está versión, en español, fue grabada de la mano de Andrew Powell en los estudios de Abbey Road durante ocho días. Tino Casal, tras un esguince que sufrió en un concierto auto-tratada con antiinflamatorios y analgésicos, tuvo que ser hospitalizado a causa de una necrosis y durante su estancia en el hospital se dedicó a preparar la canción. Durante los ocho días en Abbey Road, Casal cuidó los detalles del disco y se encargó de todo lo referente a las sesiones de fotografía, que se desarrollaron en su domicilio, y al diseño de portada. Tino Casal no solamente la interpretó, también escribió la letra y confeccionó el traje azul de lentejuelas que se puede ver en el videoclip. El disco Lágrimas de cocodrilo se convirtió en el segundo disco más vendido de 1988 tras Descanso dominical de Mecano. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div> <div style="text-align: center;"><iframe allow="encrypted-media" allowtransparency="true" frameborder="0" height="380" src="https://open.spotify.com/embed/track/16k0xwujtU1eoSLEfofWQ8" width="300"></iframe></div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-38566503730929225102021-10-12T17:43:00.087+02:002021-10-12T17:43:00.185+02:00¿Y qué leo ahora?<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://www.invisible.coop/imagenes/poridentidad?identidad=2b86de28-828b-47fe-a9bd-8862bb39f909&ancho=900&alto=" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="486" height="320" src="https://www.invisible.coop/imagenes/poridentidad?identidad=2b86de28-828b-47fe-a9bd-8862bb39f909&ancho=900&alto=" width="203" /></a></div><div style="text-align: justify;"><b> <i>Mansos</i> de <a href="https://estaticos-cdn.prensaiberica.es/clip/9f86e9de-2333-4160-9c10-b8d7c75bf915_21-9-aspect-ratio_default_0.jpg" rel="nofollow" target="_blank">Bob Pop</a> (Roberto Enríquez)</b></div><p></p><p style="text-align: justify;">Mansos es el título de la primera novela de Roberto Enríquez el columnista, crítico y colaborador de televisión más conocido como Bob Pop. Cuenta en primera persona la historia de Mateo un chico que tras una fiesta volviendo a casas borracho es incapaz de coger un taxi y dada la situación decide meterse en una sauna a pasar la noche y un poco de compañía. La noche se le complica cuando descubre que se le han robado el bolso. Durante su estancia en la sauna hace balance de su vida, sus excesos y ciertos secretos que uno muestra en sus momentos más bajos y oscuros. Esta historia nos muestra un relato desgarrador y oscuro de la miseria de uno mismo y como uno puede caer muy bajo en un mundo tan oscuro. Una narración que en 2010, cuando se publicó la novela, era totalmente novedosa y que no se había mostrado con tanta crudeza.</p><p style="text-align: justify;"><b><span style="color: #04ff00;">Lo mejor: </span></b>lo bien que refleja como el sitio más insospechado puede hacerte mostrar lo más enterrado de uno mismo.</p><p style="text-align: justify;"><span style="color: red;"><b>Lo peor: </b></span>falta un poco de la descripción no tanto física sino psicológica del personaje, sin hacer que la novela y su historia valgan menos.<br /></p>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-80330662969807647522021-09-16T18:00:00.084+02:002021-09-16T18:00:00.200+02:00Escuchar la música<p style="text-align: center;"><u><b><br /></b></u></p><p style="text-align: center;"><u><b>Dos gardenias</b></u></p><div style="text-align: center;"><iframe allow="encrypted-media" allowtransparency="true" frameborder="0" height="380" src="https://open.spotify.com/embed/track/1tv7pPrvVwio95bv1m85aF?theme=0" width="50%"></iframe></div><div style="text-align: justify;">Es un bolero compuesto en 1945 por la pianista cubana<a href="http://www.habanaradio.cu/wp-content/blogs.dir/2/files/sites/2/2017/10/IC.jpg" rel="nofollow" target="_blank"> Isolina Carrillo</a>. Fue grabada por primera vez por Guillermo Arronte, quien más tarde se convirtió en marido de Isolina Carrillo, para la emisora RHC-Cadena Azul en La Habana en ese mismo año, pero no fue hasta 1948 cuando consiguió la fama de manos de Daniel Santos a la voz y con los arreglos de Pérez Prado. El éxito internacional le vino de manos de artistas como Avelina Landín en México, Antonio Machín en España y fuera del mundo hispano Omara Portuondo e Ibrahim Ferrer en 1996 con el colectivo Buena Vista Social Club. La versión favorita de Isolina Carrillo entre todas ellas es la de Fernando Álvarez de 1947. Cuentan que durante esos años no había tocadiscos de los bares que no sonase ese bolero. Se cuenta que Isolina compuso Dos gardenias tras un desencuentro con un "amigo". Un alumno suyo le dijo que estaba componiendo una canción centrada en las gardenias, y se enteró de que este iba a celebrar su cumpleaños. Al llegar a la fiesta no le dejó entrar y días más tarde una amiga de ambos le dijo que no le había dejado entrar porque no quería gente negra en su fiesta. El alumno, que había fracasado en el mundo de la música, más tarde, le pidió ayuda económica, y ella por el desaire le dio un billete y le dijo que le entregaba además dos gardenias que lo acompañarían durante toda su vida, para que la recordara siempre.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-76566203563250908892021-08-15T18:39:00.001+02:002021-08-15T18:39:00.189+02:00Construir edificios<div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/db/Castillo_de_la_mota_exterior.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="533" data-original-width="800" height="213" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/db/Castillo_de_la_mota_exterior.jpg" width="320" /></a></div><u><b>Castillo de la Mota<br /></b></u></div><div style="text-align: justify;">El castillo de la Mota se encuentra en Medina del Campo, en donde se encontraba el origen del municipio y ahora son las afueras. Medina que llegó a tener durante la Edad Media el mismo número de habitantes que en la actualidad, por lo que durante el reinado de Juan II y Enrique IV de Castilla, y los Reyes Católicos a finales del siglo XV se construyó el castillo que corona el municipio en la mota (lo que le da su nombre). Este castillo tuvo una función defensiva y no palaciega, además de un archivo y una cárcel donde estuvieron presos Hernando Pizarro o César Borgia, este último consiguió escapar de la fortaleza. El castillo tiene forma trapezoidal rodeado con dos murallas. El paso al castillo se realiza por dos puentes el más cercano al castillo levadizo, que se encuentran en un ligero ángulo para impedir el paso a las tropas atacantes. En el dintel de la puerta se encuentra <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ea/Escudos_castillo_de_La_Mota.jpg" rel="nofollow" target="_blank">el escudo de los Reyes Católicos</a>, quienes terminaron la construcción del castillo. Los puentes son para salvar el inmenso foso (sin agua en este caso) y que muestra las "ventanas" de las distintas galerías. Estas "ventanas" no son para dejar entrar la luz, son para dejar pasar la artillería y las saetas lanzadas para que el enemigo no pudiese pasar más allá del foso. Esta fortaleza está formada por cinco torres, la mayor de ellas de 40 metros es la del homenaje y en la actualidad, en sus muros pueden verse boquetes debidos a la artillería recibida por parte de los atacantes. Tras años de abandono, después de la Guerra Civil Española, en 1940, el edificio interior se reconstruyó y se estableció la Escuela de Mandos de la Sección Femenina de la Falange. En la actualidad, en el patio, totalmente reconstruido, se pueden visitar la sala de Juan de la Cosa, cuya entrada es una reproducción de la <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2a/Portada_del_patio_de_armas_en_La_Mota.jpg">entrada</a> del Hospital de la Concepción de Nuestra Señora de Madrid y que ahora se encuentra en la Escuela de Arquitectura de la capital Española al igual que la escalinata, y la capilla de Santa María del Castillo, donde destacan un <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c5/Capilla_del_Castillo_de_La_Mota.jpg" rel="nofollow" target="_blank">crucifijo de marfil filipino</a> del siglo XVII y un tríptico flamenco de finales del siglo XV.</div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-26519243329802254622021-07-18T15:30:00.200+02:002021-07-18T15:30:00.197+02:00La monja alférez<p style="text-align: center;"><u><b> Catalina de Erauso</b></u></p><p style="text-align: center;"><u><b>(1585/1592-1650)</b></u></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><u><b><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9f/Catalina_de_Erauso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="656" height="320" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9f/Catalina_de_Erauso.jpg" width="263" /></a></b></u></div><p></p><div style="text-align: justify;">Conocida como la "Monja Alférez" , fue una militar, monja y escritora del siglo XVI. Dependiendo de la fuente a la que a la que se acuda (su autobiografía o la partida de bautismo) existe una diferencia de fechas de su nacimiento o 1585 o 1592 respectivamente. Nació en San Sebastián de familia acomodada con un padre con un cargo de alta importancia militar dentro del ejercito de Felipe III, lo que le introdujo dentro del mundo militar desde pequeña. Con 4 años fue internada en en un convento de la ciudad guipuzcoana y donde su tía era priora, con los años y dado su comportamiento díscolo es trasladada a Monasterio de San Bartolomé donde se dio cuenta que no tenía vocación religiosa. El 18 de marzo de 1600 se escapó del convento, cogió ropa de hombre y se cortó el pelo. A partir de esta fecha, vaga de pueblo en pueblo como prófuga y fue buscada por su padre. En esta época, tuvo un intento de abuso sexual, por parte del catedrático Francisco de Cerralta. Durante varios años y huyendo de altercados y de una vida en la que no encajaba utilizó ropa de hombre, pelo corto y distintos nombres como Pedro de Orive, Francisco de Loyola, Alonso Díaz, Ramírez de Guzmán o Antonio de Erauso. convirtió en paje del secretario del rey Juan de Idiáquez y se hizo llamar Francisco de Loyola. A partir de 1603 empieza con sus viajes por América. En uno de estos viajes se quedó en América tras haber robado al capitán 500 pesos y para poderse refugiar. En Perú entró a trabajar como ayudante de un comerciante español y acabó en la cárcel tras una revuelta y fue sacada de prisión por el comerciante para poderla sacar con la amante de este y se negó y fue trasladada a Trujillo por el comerciante. Por un cargo de homicidio fue llevada a Lima para trabajar a manos de un amigo del comerciante, donde tuvo relaciones con la sobrina de su nuevo empleador y tras esto se alistó como soldado para luchar en Chile. Luchando contra los indios mapuches ahorcó a un lider mapuche y fue ascendida a alférez. En 1609, tras una trafulca que acabó con la muerte de un oficial, y se tuvo que acoger a sagrado en el Convento de San Francisco de Concepción. Huyó del convento, estuvo en Potosí y acabó estableciendo en La Plata (actual Sucre, Bolivia) trabajando como administradora de una viuda rica y fue acusada rajar la cara a una mujer con una navaja de barbero y tuvo que volver a huir. Entre huida y huida tuvo varias trifulcas y asesinatos siendo buscada por todo Perú, siendo detenida Huamanga (actual Ayacucho). Sentenciada a muerte pidió hablar con el obispo y reveló el engaño. El obispo, quien mandó que se la examinara, pactó que cumpliera su pena en el convento de las clarisas de Huamanga. vivió en Lima dos años hasta que se supo que nunca había profesado como monja como ella sostenía, pues en su San Sebastián natal no pasó de novicia. Arrepentida, perdonada y exclaustrada, en 1624 regresó a España como hombre, haciéndose llamar Antonio de Erauso. En el viaje escribió o dictó los escritos que hoy conocemos como sus memorias. Tras ser recibida por el rey Felipe IV marchó a Italia, donde se entrevistó con el papa Urbano VIII, quien le concedió permiso para seguir vistiendo y firmando como hombre. Al final de su vida volvió a América, muriendo en 1650 en Cuitlaxtla.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;">Esta biografía, está contada como si Catalina de Erauso, una mujer travestida y no como un hombre trans, debido a que el concepto de persona trans es un concepto relativamente moderno y por tanto, aunque ahora podría encajar en lo que ahora entendemos como hombre trans, no se puede etiquetar a esta persona al 100% como tal. En cualquier caso entendemos que Catalina se trata de un ejemplo dentro del mundo LGTB+ y que rompió los roles de género para hacerse un hueco importante en la historia y algo que parece imaginable el siglo XVI.</div></div><div class="mw-body-content" id="bodyContent" style="font-size: calc(0.875em); line-height: 1.6; position: relative; z-index: 0;"><div id="contentSub" style="background-color: white; color: #54595d; font-family: sans-serif; font-size: 11.76px; line-height: 1.2em; margin: 0px 0px 1.4em 1em; width: auto;"></div><div id="contentSub2" style="background-color: white; color: #54595d; font-family: sans-serif; font-size: 11.76px; line-height: 1.2em; margin: 0px 0px 1.4em 1em; width: auto;"></div><div id="jump-to-nav" style="background-color: white; color: #202122; font-family: sans-serif;"></div></div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-46264194880433094422021-06-10T15:20:00.001+02:002021-06-10T15:20:00.188+02:00Cuarteto musical <p style="text-align: center;"><u><b> Los huesecillos del oído</b></u></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><u><b><a href="https://www.stanfordchildrens.org/content-public/topic/images/88/126488.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="350" data-original-width="530" src="https://www.stanfordchildrens.org/content-public/topic/images/88/126488.gif" /></a></b></u></div><u><b><br /></b></u><p></p><div style="text-align: justify;">En el interior del oído medio se encuentra tres huesos muy cortos (los más pequeños del cuerpo humano) y que reciben cada los nombres de martillo, yunque y estribo. No ocupan más de 18 milímetros. Su función es la de transmitir las vibraciones del tímpano hasta la membrana oval, pasando primero del martillo al yunque y este al estribo. El martillo, que recibe el nombre por su forma, está conectado con la faringe y es el que transmite las vibraciones al yunque. Está en contacto directo con el tímpano y es el primero en recibir las ondas sonoras. El yunque, que tiene una forma similar al yunque típico de un herrero se conecta con los otros dos huesecillos. El estribo, que también recibe el nombre por su forma en este caso al ser similar a un estribo de un jinete, está unido a la ventana oval del oído externo y es el hueso más pequeño del cuerpo humano. Están unidos entre sí, mediante unos músculos que se pueden contraer amortiguando la vibración de los huesecillos para proteger el oído interno de los ruidos intensos excesivos. Las vibraciones del tímpano percibidas por el mango del martillo se magnifican y se transmiten de un huesecillo a otro hasta poner en movimiento la base del estribo, lo que hace que el líquido del oído interno vibre estimulando las células neurorreceptoras del oído interno que consiguen que el cerebro perciba el sonido.</div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-6807157906989834782021-05-13T19:33:00.133+02:002021-05-13T19:33:00.198+02:00El Méliès español<div style="text-align: center;"><b><u>Segundo de Chomón</u></b></div><div style="text-align: center;"><b><u>(1871-1929)</u></b></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/78/Segundo_de_Chom%C3%B3n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="679" data-original-width="800" height="272" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/78/Segundo_de_Chom%C3%B3n.jpg" width="320" /></a></div>Fue un director y técnico de trucajes del cine mudo. Nació en Teruel y aunque se cree que estudió ingeniería, pronto se fu a París donde conoce el recién inventado cinematógrafo de los hermanos Lumière y a la que sería su mujer la vedette <a href="https://www.blogger.com/#">Julienne Mathieu</a>. Cuando vuelve a París tras el servicio militar en Cuba, se dedica a ayudar a su esposa coloreando los negativos y diseña una plantilla para facilitarle el trabajo y que permiten delimitar los contornos y colorear con mayor precisión. En 1902 vuelve a España y se instala en Barcelona. Ya ahí instala su taller y crea las primeras películas como son Choque de trenes, donde utiliza un trucaje de maquetas o Pulgarcito y Gulliver en el país de los Gigantes, donde consigue mediante sobreimpresiones efectos de gigantismo. Entre 1906 y 1909, en Francia trabaja para Pathé, donde es contratado para luchar contra la productora de los hermanos Lumière, volviendo a España para rodar la boda de <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f5/Rey_Alfonso_XIII_de_Espa%C3%B1a%2C_by_Kaulak.jpg" rel="nofollow" target="_blank">Alfonso XIII</a>. En esta etapa destaca el uso del travelling en Vida y pasión de Nuestro Señor Jesucristo de Ferdinand Zecca o El hotel eléctrico, de 1908, donde mediante animación consigue que los cepillos peinen solos, los zapatos se aten sus cordones y todos los electrodomésticos de la suite trabajen por sí solos. En 1910 vuelve a España, donde se asocia con el empresario Joan Fuster Garí donde realiza 37 producciones y adapta sainetes y zarzuelas. Todavía en España y tras romper vuelve a trabajar con Pathé por cuenta propia realizando hasta 1912 once películas. Dado su gran potencial y currículo, empezó en 1912 a trabajar para productora Itala Films como técnico de efectos especiales hasta 1921, desvinculándose de Itala Film y trabajando durante dos años como socio de la productora del artista de circo Luciano Albertini, Albertini Film. En 1923, vuelve por última vez a París, donde trabajó con Ernest Zollinger, ingeniero suizo, en un sistema de cine en color por el que obtuvo la medalla de oro de la Exposición Internacional de Fotografía, Óptica y Cinematografía de Turín. En esta última etapa, realiza su último trabajo en la película de 1927 Napoleón de Abel Gance. Viaja a Marruecos a seguir investigando en el color, pero contrae una enfermedad grave y poco después fallece.</div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-33713878969351599382021-04-04T16:00:00.003+02:002021-04-04T16:00:00.567+02:00Jardín de reyes<p style="text-align: center;"><u><b> El Campo del Moro</b></u></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e6/Espa%C3%B1a_-_Madrid_-_Campo_del_Moro_-_Entrada.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="595" data-original-width="800" height="238" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e6/Espa%C3%B1a_-_Madrid_-_Campo_del_Moro_-_Entrada.JPG" width="320" /></a></div><div style="text-align: justify;">Al lado del Palacio Real de Madrid se encuentra el jardín que recibe este nombre. Fue diseñado por Narciso Pascual y Colomer en 1844 y es uno de los tres jardines que enmarcan el Palacio Real junto con los de Sabatini y la Plaza de Oriente, perteneciendo solamente el Campo del Moro a Patrimonio Nacional y no al Ayuntamiento de Madrid, Se conocen con este nombre desde el siglo XIX y recibieron esta denominación debido a que supuestamente Alí Ben Yusuf, caudillo musulmán, cuando intentó atacar la ciudad de Madrid que se encontraba ya conquistada por los cristianos, en 1109 acampó en esta zona durante el ataque. Aunque hubo varios intentos de crear en esa ubicación un jardín, que se remontan a Felipe II, no es hasta 1844 cuando se inicia el proyecto con el trazado con el que se encuentra en la actualidad. Con este trazado se buscaba eliminar el desnivel, lo cual se consiguió utilizando los escombros procedentes de las iglesias y viviendas demolidas durante la ampliación de la Puerta del Sol. El jardín está coronado con dos fuentes la de las <a href="https://www.blogger.com/#">Conchas</a>, traída del Palacio del Infante don Luis (Boadilla del Monte), y la de los <a href="https://www.blogger.com/#">Tritones</a>, cuyo emplazamiento original era el Jardín de la Isla (Aranjuez). La construcción terminó a finales del siglo XIX, debido a que las obras se suspendieron con la Revolución de la Gloriosa en 1868, siendo en 1898 fueron levantadas dentro del recinto distintas casas de madera, hechas en estilo tirolés. Debido a la Guerra Civil (1936-1939) en la década de 1960 tuvo que realizarse una restauración del parque por los daños sufridos durante los bombardeos y debido a su cercanía con el frente de Madrid.</div><p></p>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-48566069163885409462021-03-14T17:00:00.130+01:002021-03-14T17:00:04.123+01:00Con P de pandemia<p style="text-align: center;"><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://content3.cdnprado.net/imagenes/Documentos/imgsem/d3/d3d8/d3d82b0b-9bf2-4082-ab04-66ed53196ccc/6ae08086-cafc-4cfe-b8d8-c3849c4136db.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="571" data-original-width="800" height="286" src="https://content3.cdnprado.net/imagenes/Documentos/imgsem/d3/d3d8/d3d82b0b-9bf2-4082-ab04-66ed53196ccc/6ae08086-cafc-4cfe-b8d8-c3849c4136db.jpg" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El triunfo de la Muerte. Pieter Bruegel, El viejo. 1562-1563</td></tr></tbody></table><u><b> La peste negra</b></u></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: justify;">Entre 1346 y 1347 surgió una enfermedad que asoló Europa y que no se desapareció en su totalidad hasta el siglo XVIII con su último brote. Aunque existían varias enfermedades en esa época que ya tenían carácter de epidemia, la peste negra se caracterizó por no ser una enfermedad que fuese esperada, no se conocía su origen y que no diferenciaba entre ser pobres y ricos. De hecho, se sigue sin conocer con total certeza cuál fue el agente infeccioso que causaba la enfermedad. Esto hacía que en plena Edad Media se diesen diversas explicaciones sobre el origen, desde la emanación de las sustancias orgánicas en descomposición a un origen astrológico (conjunción de los astros, los eclipses...). Con la llegada del siglo XIX se estableció que la enfermedad fue provocada bacteria <i>yersinia pestis</i>, que afectaba a las ratas negras y a otros roedores y se transmitía a través de los parásitos que vivían en esos animales que acababan picando a los humanos e inoculando la enfermedad. Este tipo de enfermedades son conocidas como zoonosis, es decir enfermedades que se trasmiten de animales a seres humanos y en este caso se produjo una rápida trasmisión debido a que las ratas convivían con los humanos en muchos ambientes, como graneros, molinos y casas. La enfermedad aparecía en las ingles, axilas o cuello, con la inflamación de alguno de los nódulos del sistema linfático acompañada de supuraciones y fiebres altas incluso superiores a los 40 grados. De las variantes que aparecieron de la peste bubónica (la más corriente), la peste septicémica, en la cual el contagio pasaba a la sangre, lo que se manifestaba en forma de visibles manchas oscuras en la piel, que dio nombre a la enfermedad como <i>la muerte negra</i>, y la peste neumónica, que afectaba el aparato respiratorio. El índice de mortalidad pudo alcanzar el 60% en el conjunto de Europa, ya como consecuencia directa de la infección, ya por los efectos indirectos de la desorganización social. Se calcula que de los 80 millones de ciudadanos europeos de antes de la peste, tras la enfermedad la población disminuyó a 30 millones de 1347 a 1353 y hasta mediados del siglo XV no se recuperó el crecimiento de la población europea. Hubo otros efectos, como el aumento de los salarios por la disminución de la población de trabajadores y que los campesinos pobres pudiesen ocupar los campos abandonados impulsando la economía rural.</div><p></p>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-57718536002621172882021-02-11T16:45:00.000+01:002021-02-11T16:45:02.385+01:00Cactus de bandera<p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ad/Opuntia16_filtered.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="601" height="320" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ad/Opuntia16_filtered.jpg" width="240" /></a></div><div><div style="text-align: center;"><b><u>El nopal</u></b></div><div style="text-align: justify;">Es una variedad de cactus también conocido como higuera de pala, palera, tuna, chumbera. Al igual que la mayoría del resto de variedades de la familia de los cactus está formado por tallos que se ramifican pudiéndose crear flores y dar frutos. Estos tallos se caracterizan por se planos, de forma ovalada y verde. Tiene dos tipos de espinas unas largas y gruesas y otras pequeñas y con aspecto de pelos. Al final de estos tallos suelen aparecer una vez al año flores que pueden ser de distintos colores y tienen forma de corona. A partir de estas flores nacen los frutos que al igual que el resto de la planta está cubierto por espinas. Tienen una piel gruesa con abundante carne en su interior, está lleno de semillas, una forma ovalada, un diámetro de entre 5,5 y 7 cm. y entre 43 y más de 200 gramos. El nopal es originario de América, encontrándose a lo largo del continente, aunque se cree que proviene de México y fue llevada a Europa por parte de los conquistadores españoles. Esta planta se puede encontrar en zonas áridas, secas y sin cultivos y se cultiva a lo largo del mundo. En España, en cambio, está prohibida su introducción en el medio natural, posesión, transporte, tráfico y comercio, debido a que está considera como una especie invasora, según el catálogo Español de Especies Exóticas Invasoras, aprobado por Real Decreto 630/2013, no estando prohibido su cultivo ni la comercialización de su fruto. El mayor producto de la planta es Perú, y se utiliza desde gastronomía como en medicina, gracias a su alto contenido en calcio, fósforo, potasio, hierro, selenio, cobre, zinc, sodio y magnesio. El nopal es también famoso por ser uno de los símbolos de México, encontrándose en el <a href="https://www.blogger.com/#">escudo</a> y en la bandera del papel, en los que se puede ver un nopal bajo un águila que devora una serpiente y con las raíces isleta de piedra sobre el agua. El nopal es el símbolo de la planta de la vida dado que un nopal seco puede nacer uno nuevo, nunca muriendo. También aparece en leyendas de la mitología mexica.</div></div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-7690048590072975592021-01-13T18:50:00.000+01:002021-01-13T18:50:00.582+01:00Ver el arte<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-bT4WqxbEgNM/XqHa8nYuAhI/AAAAAAAAFCQ/ppJtd-Pbb0EnCU95FNAzFtmrxmPUMvyzQCNcBGAsYHQ/s1600/5c5c495f-7c62-44a4-b434-5636c2cadf3b.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1299" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-bT4WqxbEgNM/XqHa8nYuAhI/AAAAAAAAFCQ/ppJtd-Pbb0EnCU95FNAzFtmrxmPUMvyzQCNcBGAsYHQ/s320/5c5c495f-7c62-44a4-b434-5636c2cadf3b.jpg" width="259" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><a href="https://content3.cdnprado.net/imagenes/Documentos/imgsem/1a/1a0b/1a0b50dc-1aa5-4e02-844b-6da30547b218/5c5c495f-7c62-44a4-b434-5636c2cadf3b.jpg" rel="nofollow" target="_blank">VER LA IMAGEN SIN NÚMEROS</a></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<u><b>Santa María Egipciaca</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
Este cuadro que actualmente no se encuentra expuesto en el Museo del Prado, aunque pertenece a su colección es una obra de José de Ribera y representa a Santa María Egipciaca. Esta oleo sobre lienzo fue realizada en 1641.</div>
<div style="text-align: justify;">
<ol>
<li>Tras la Contrareforma católica aumentó el número de representaciones de santos retirados en el campo de forma penitente. La representaciones de estos santos suelen realizarse de forma individual, pero en ciertos casos se realizaban series y este es uno de los casos. Santa María Egipciaca forma parte de una serie de cuatro santos (San Juan Bautista en el desierto, San Bartolomé, Magdalena Penitente y Santa María Egipciaca).</li>
<li>Se desconoce quién encargó la serie, aunque en 1658 se encuentran entre la lista de bienes de Jerónimo de la Torre, secretario de estado de Flandes. En 1772 se encontraban ya en el Palacio Real de Madrid llegados de la colección del marqués de Llanos.</li>
<li>Al igual que sucede en el resto de cuadros de la serie, se representa al santo aislado con gran monumentalidad gracias al uso de la perspectiva. Por otra parte, juega con el claroscuro dándole más expresividad a la obra y otorga dinamismo a la pintura gracias al tronco del árbol y al cielo.</li>
<li>María de Egipto o Santa María Egipciaca fue una asceta que se hizo penitente y se retiro tras una vida dedicada a la prostitución. Se representa como una mujer mayor, con el pelo canoso y de piel morena. En este caso la santa se encuentra cubierta con una piel que según su hagiografia le prestó San Zósimo quien la encontró desnuda en el desierto. También se representa con un trozo de pan que según la leyenda se llevó cuando se retiró al desierto, representando a la Eucaristía.</li>
</ol>
</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-65164405313516085322020-12-17T19:59:00.048+01:002020-12-17T19:59:00.348+01:00El rollo de la villa<div style="text-align: center;"><b><u>Rollo de justicia<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://media-cdn.tripadvisor.com/media/photo-m/1280/18/46/b3/da/rollo-de-justicia.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="600" height="320" src="https://media-cdn.tripadvisor.com/media/photo-m/1280/18/46/b3/da/rollo-de-justicia.jpg" width="240" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Rollo de justicia de Boadilla del Camino (Palencia)</td></tr></tbody></table></u></b></div><div style="text-align: justify;">Si uno viaja por España, puede ver como en ciertos municipios hay una columna normalmente de piedra en medio de una plaza o rotonda. Esa columna no es un simple monolito. Se encontraba en las villas en las que se podía impartir justicia y por tanto tenían plena jurisdicción. Estos rollos se estuvieron utilizando durante siglos. Si un municipio no tenía un rollo de justicia este no podía impartir justicia y tendría que depender de otro para dar solución a los conflictos judiciales. Así si en un pueblo había un conflicto entre dos de los vecinos, no tenía plena jurisdicción y por tanto rollo, estos tenían que ir al municipio del que dependiesen. Lo que era algo costoso para las personas implicadas en el conflicto en la época. Recibir el derecho a impartir justicia, implicaba subir de categoría, convertirse en villa, se les concedía el villazgo. No solo posibilitaba impartir justicia, el municipio que se convertía en Villa, podía poner mojones a su territorio, de tal forma que ponía límites a su jurisdicción, podía celebrar ferias, mercados, tener alguacil... Había que pagar por este título, pero la Villa ganaba más gracias a los derechos concedidos. En 1812, durante la Guerra de Independencia española, en las Cortes de Cádiz se decretó la eliminación de los mismos, debido a que muchos de ellos se utilizaban también como picotas de para ajusticiar. Se quería prohibir el uso de la picota de ajusticiamiento y ante la imposibilidad de diferenciar en muchos casos entre la picota y el rollo se decidió eliminar ambos. Muchos municipios decidieron desoír y desobedecer el decreto y no derribando el rollo. Esta medida fue derogada con la llegada de Fernando VII a España, lo que hizo que no se perdiera el rollo de justicia de la geografía española.</div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-76539826308722029832020-11-20T12:30:00.108+01:002020-11-20T12:30:05.772+01:00Escuchar la música<div style="text-align: center;"><u><b>Manuel Raquel</b></u></div><div style="text-align: center;"><iframe allow="encrypted-media" allowtransparency="true" frameborder="0" height="380" src="https://open.spotify.com/embed/track/3eQwjuu5yQ0Alg2aLhrxMW" width="300"></iframe></div><div style="text-align: justify;">Es el título de la canción del grupo español Tam Tam Go! de 1988 parte de su disco Spanish Shuffle. Esta canción es la que aupó al grupo a la fama gracias a sus ritmos más latinos en contraposición al resto de canciones. Se trata de la única canción en español del álbum. La letra del cineasta Ricardo Franco, narra la historia de una mujer trans, Raquel la cual se suicida tras no poder soportar la rigidez de una sociedad conservadora y que persigue a las personas trans. Describe como Manuel desde pequeño era un niño diferente y que no encajaba con lo que se entiende normal para un hombre. La canción está cantada como si el narrador se dirigiese a Manuel a quien le cuenta como Raquel no sobrevivió la dura vida que tienen las personas trans tras haber salido del armario. Como Raquel, aunque libre, por fin, no soportó la persecución social e incluso policial, Cuando, el narrador de la historia, y Raquel son adultos se vuelven a ver y él lamenta su pérdida y lo difícil que era la vida para las personas trans, algo que no ha cambiado mucho en la actualidad. Como, por desgracia, la sociedad les empuja al suicidio. El narrador, amigo de Raquel no soporta el no haber podido salvarla y no haberse despedido de ella. Sin que Raquel, se quejase en ningún momento. Viviendo su infierno personal en silencio. Aunque, la canción narre una historia desde la perspectiva de la España de finales de los ochenta, hay que recordar que en España el 80% de las personas trans se encuentra en paro o el 58% de estudiantes trans reciben agresiones en forma de acoso, insultos o amenazas o más del 50% de chicos trans y cerca del 30% de chicas trans en EE. UU. han pensado en suicidarse. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Letra:</div><div style="text-align: center;">Cuando llegó era un niño delicado</div><div style="text-align: center;">No quería mancharse jugando en el descampado</div><div style="text-align: center;">Era un tipo legal, un amigo, un aliado</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Había vivido arrogante aquel error inocente</div><div style="text-align: center;">Llevar en cuerpo de hombre, una mujer en su mente</div><div style="text-align: center;">Era un hombre tranquilo</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Ella una dama valiente</div><div style="text-align: center;">Oh, Manuel Raquel</div><div style="text-align: center;">Manuel Raquel no aguantó</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Siquiera el primer invierno</div><div style="text-align: center;">Volando sobre un tacón</div><div style="text-align: center;">De las redadas huyendo</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La última vez que le vi</div><div style="text-align: center;">Nos fuimos a emborrachar</div><div style="text-align: center;">Debajo del maquillaje</div><div style="text-align: center;">No pudo disimular</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Un cierto pudor antiguo</div><div style="text-align: center;">Y al fin un poco de paz</div><div style="text-align: center;">Quiso volar y saltó</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">No pude llegar a tiempo</div><div style="text-align: center;">Las lágrimas sin dolor</div><div style="text-align: center;">Me las ha arrancado el viento</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Se fue sin decir adiós</div><div style="text-align: center;">Sin un grito, ni un lamento</div><div style="text-align: center;">Creo que iba contento</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Manuel Raquel no aguantó</div><div style="text-align: center;">Siquiera el primer invierno</div><div style="text-align: center;">La detuvieron mil veces</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La pobre se fue rompiendo</div><div style="text-align: center;">Es muy difícil pasear</div><div style="text-align: center;">De incógnito en el infierno</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Oh, Manuel</div><div style="text-align: center;">Oh Raquel</div><div style="text-align: center;">Se marchó</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Es sólo una baja más</div><div style="text-align: center;">Manuel Raquel no aguantó</div><div style="text-align: center;">Siquiera el primer invierno</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Volando sobre un tacón</div><div style="text-align: center;">La pobre se fue</div><div style="text-align: center;">Oh, Manuel</div><div style="text-align: center;">Oh, Raquel</div><div style="text-align: center;">Se marchó</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Es sólo una baja más</div><div style="text-align: center;">Y se fue, sin disparar</div><div style="text-align: center;">Y se fue, sin apuntar</div><div style="text-align: center;">Y se fue, sin acusar</div><div style="text-align: center;">Y se fue</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Oh Manuel Raquel</div><div style="text-align: center;">Y se fue, sin señalar</div><div style="text-align: center;">Y se fue...</div>jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-39052581150887823292020-10-22T14:47:00.000+02:002020-10-22T14:47:00.331+02:00La ciencia del cine<div style="text-align: center;">
<a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/83/Hedy_Lamarr_Publicity_Photo_for_The_Heavenly_Body_1944.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="638" height="320" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/83/Hedy_Lamarr_Publicity_Photo_for_The_Heavenly_Body_1944.jpg" width="255" /></a><u><b>Hedy Lamarr</b></u></div>
<div style="text-align: center;">
<u><b>(1914-2000)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
De nombre real Hedwig Eva Maria Kiesler, fue una actriz de cine e inventora de origen austriaco. De pequeña ya se sabía que era superdotada y empezó a estudiar ingeniería, pero dejó los estudios para empezar su carrera de actriz. Fue considerada una de las mujeres más hermosa de Europa y una pionera en ambos campos. En 1933 protagonizó la película Éxtasis en la que realizó el primer desnudo y la primera simulación de un orgasmo de la historia del cine. Aunque, fue un escándalo mundial, el papel le hizo famosa. Durante su matrimonio con Fritz Mandl, quien la obligaba a hacer todo lo que él quería y le permitía, su marido se dedicaba a vender armas al dictador Mussolini, mientras que ella se dedicaba a recoger la información armamentística de las reuniones de él con los fascistas. Durante un viaje de negocios de su marido al que Hedy acompañó, ella se escapó por la ventana del servicio de un restaurante y huyó a París y de allí a Estados Unidos. Fue en este viaje en la que se cambiará el nombre de Hedwig a Hedy a petición del productor Louis B. Mayer a quien conoció en la travesía a los Estados Unidos. Eligió el apellido de Lamarr en honor a la actriz de cine mudo Bárbara La Marr. A su llegada al país americano no paró de trabajar en diferentes películas como Cenizas del amor o Sansón y Dalila. Durante la Segunda Guerra Mundial, Hedy se ofreció al Gobierno de los Estados Unidos. Fue trabajando para el gobierno estadounidense cuando se dio cuenta de que las señales de radio eran muy débiles y se podían interceptar. Junto con el compositor George Antheil ideó un sistema de detección de torpedos teledirigidos. No se tomó en serio este nuevo sistema por el gobierno estadounidense, hasta que en 1962 estalló la crisis de los misiles cubanos. Este método fue el padre del actual GPS o de la red Wifi. Tras la Segunda Guerra Mundial Hedy Lamarr entra en declive, en el mundo de las pastillas y se volvió cleptómana. En 1997, le concedieron el Pioneer Award a lo que ella comento: "Ya era hora". Moriría tres años después en Estados Unidos con 85 años de edad. En Austria, el Día del Inventor se celebra el 9 de noviembre, el día del nacimiento de Hedy Lamarr en su honor.</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-50266732595361275502020-09-15T19:15:00.000+02:002020-09-15T19:15:04.200+02:00Siete dolores tiene la Virgen, como vidas un gato<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/17/Salamanca_-_Iglesia_de_la_Vera_Cruz_12.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="601" height="320" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/17/Salamanca_-_Iglesia_de_la_Vera_Cruz_12.jpg" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Virgen de los Dolores por Felipe Corral. Ig. de la Vera Cruz (Salamanca)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<u><div style="text-align: center;">
<u><b>Los siete dolores de la Virgen</b></u></div>
</u></div>
<div style="text-align: justify;">
Durante de la vida de de la Virgen María tuvieron lugar una serie de hechos, que ahora se agrupan y se conocen como los siete dolores de la Virgen. Los siete dolores de la Virgen son los siguientes:</div>
<ol>
<li style="text-align: justify;"><b>La Profecía de Simeón (Lc. 2, 22' 35):</b> donde Simeón lanza la siguiente profecía a la Virgen tras la circuncisión de Jesús: "Este Niño está puesto para ruina y resurrección de muchos de Israel, y una espada traspasará tu alma".</li>
<li style="text-align: justify;"><b>La Huida a Egipto (Mt. 2, 13-15): </b>en la que la Sagrada Familia se ve obligada a huir a Egipto para que Herodes no asesine a Jesús.</li>
<li style="text-align: justify;"><b>La Pérdida de Jesús en el Templo (Lc. 2, 41-50):</b> La Virgen María encuentra a Jesús tras tres días de búsqueda en el templo.</li>
<li style="text-align: justify;"><b>María encuentra a Jesús en el Vía Crucis (Vía Crucis, 4.ª estación)</b></li>
<li style="text-align: justify;"><b>Crucifixión y muerte de Jesús (Jn. 19, 17-30)</b></li>
<li style="text-align: justify;"><b>Descendimiento de la Cruz (Mc. 15, 42-46)</b></li>
<li style="text-align: justify;"><b>Entierro de Jesús (Jn. 19, 38-42)</b></li>
</ol>
<div style="text-align: justify;">
La figura de la Virgen de los Dolores se suele representar con rasgos de tristeza y dolor, con el rostro lleno de lágrimas y con siete espadas clavadas en el corazón. La festividad se celebra a lo largo de todo el mundo, especialmente en España y Latinoamérica cayendo en el Viernes de Dolores. En el Concilio Vaticano II, con la eliminación de las fiestas "duplicadas" se suprimió la fiesta que tenía lugar el viernes anterior al Domingo de Ramos, manteniéndose la que tenía lugar el 15 de septiembre. En caso de que en alguna zona hubiese gran devoción y celebración de ambas fiestas o de la suprimida, la Santa Sede permite que se mantenga la fiesta sin ningún problema.</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-88266534716673047242020-08-15T13:48:00.000+02:002020-08-15T13:48:01.662+02:00El oso presidencial<div style="text-align: justify;">
<a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b3/TheodoreRooseveltTeddyBear.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="616" data-original-width="635" height="310" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b3/TheodoreRooseveltTeddyBear.jpg" style="cursor: move;" width="320" /></a><div style="text-align: center;">
<u><b>El nacimiento del osito de peluche</b></u></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Todos o casi todos hemos recibido un osito de peluche como primer regalo nada más nacer o nos lo han regalado en el día de los enamorados. Aunque se le conoce como osito de peluche o osito de felpa, en los paises anglosajones se le conoce como Teddy Bear. Recibió el nombre de Teddy en honor al Presidente de los Estados Unidos Theodore Roosevelt, al que se conocía comúnmente por Teddy. Se le puso ese nombre al peluche debido a un acontecimiento que tuvo lugar en Mississippi en 1902. Roosevelt viajó a Mississippi a una cacería invitado por el gobernador Andrew H. Longino. En la cacería los asistentes del presidente arrinconaron, ataron un oso y llamaron a Roosevelt para que le disparasen, pero él se negó ya que consideró que era antideportivo. Esta historia se vio reflejada en una caricatura del periódico The Washington Post por el dibujante Clifford Berryman. Morris Michtom se inspiró de esta caricatura para crear el osito de peluche. Cuando ya lo tenía hecho lo puso en ele escaparate de su tienda y le puso el nombre de Teddy's bear (Osito de Teddy) tras recibir el permiso de su presidente, convirtiéndose en un gran éxito de ventas. Debido a esto se Michtom fundó Ideal Novelty and Toy Co. El osito de peluche, en realidad puede que tenga otro padre. En esa misma época en Alemania la empresa Steiff sin saber de la existencia del osito de Michtom, dio a un modelo parecido al estadounidense. Desde su nacimiento en 1902 ha ido evolucionando y cambiando su forma y tejidos y ha protagonizado libros, canciones y películas, como son la historia de Seymour Eaton The Roosevelt Bears, mientras que John Walter Bratton creó la música de The Teddy Bears' Picnic con la letra de Jimmy Kennedy.</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-6021060462288563942020-07-13T19:12:00.000+02:002020-07-13T19:12:00.293+02:00El triángulo por bandera<div style="text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-K7B4u1zmvDU/XdgvPioNnII/AAAAAAAAER0/Xk0EBfD6M-0JVeLwjWA68TI7NvfAwdMWACNcBGAsYHQ/s1600/Flag_of_Nepal.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1313" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-K7B4u1zmvDU/XdgvPioNnII/AAAAAAAAER0/Xk0EBfD6M-0JVeLwjWA68TI7NvfAwdMWACNcBGAsYHQ/s320/Flag_of_Nepal.png" width="260" /></a><u><b>Bandera de Nepal</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
Estamos muy acostumbrados a ver banderas en la calle y suelen ser rectangulares o cuadradas, sorprendiéndonos si no tienen estas formas. En la vida y en las banderas existen excepciones y sorpresas. Una de ellas es la bandera de Nepal. La bandera de Nepal es la única bandera nacional que no es un paralelogramo y junto a la de de Ohio, las dos únicas estatales que no son rectangulares. Esto era algo común en el subcontinente indio, en el cual durante la antigüedad las banderas eran triangulares, siendo Nepal el único país que con el tiempo no cambió la forma de su estandarte. Que sean dos triángulos se a la unión de los dos pendones con la unificación de los principados de Nepal por el rey Prithvi Narayan de Nepal. Está compuesta de dos triángulos, que representan el Himalaya o las dos religiones de Nepal: el budismo y el hinduismo. Dentro de cada triángulo hay un símbolo en blanco, el de arriba una luna representando a la Casa Real nepalí, mientras que el de abajo, un sol, representa a una rama de la Dinastía de Rana, que gobernaba en el país hasta 1961. Otra versión, es que la Luna y el Sol representan el tiempo que quiere que dure Nepal, tanto como los astros. Hasta 1962, con la llegada de un gobierno constitucional, se eliminaron las caras que había en la antigua versión de la bandera. El rojo, color mayoritario de la bandera es el color del rododendro o azalea, planta símbolo del país, de la victoria en la guerra o la valentía del pueblo nepalí. El azul en cambio representa la paz y la armonía.</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-22502697819468214942020-06-10T20:47:00.000+02:002020-06-10T20:47:01.719+02:00Campana sobre campana<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/V9f0aZiDkIQ/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/V9f0aZiDkIQ?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<u><b>El carrillón o carillón</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
Este instrumento también conocido como órgano aéreo u órgano de campanas, es un instrumento de percusión. El carrillón está formado por campanas de bronce con la forma de copa que cuelgan fijas y se mueven los badajos que permiten crear la melodía. Se utiliza una consola para hacer mover los badajos a los cuales están unidos a este mecanismo por los cables. Dependiendo de la disposición de las campanas la música que se pueda tocar será completamente diferente. Las campanas se disponen según la escala musical y pueden ser golpeadas de diferentes maneras: a mano o con martillos. La primera forma ya a parece en miniaturas de códices del siglo XI y XIII, mientras que la segunda se utilizó por primera vez en Flandes en la ciudad de Alost en 1487 que en siglos posteriores con su extensión por Europa llegó a tener hasta 80 campanas. Aunque se conoce la existencia de carrillones de del siglo XI, las primeras piezas recogidas de las que se tiene constancia son del siglo XVII, siendo más comunes las obras creadas para otros instrumentos preparadas y arregladas para este instrumento, ya sean himnos o canciones folklóricas. La torre de San Rumoldo, en Malinas (Bélgica) está el que probablemente sea el carrillón más grande con 98 campanas al igual que la Real Escuela de Carillón fundada en 1922 por el compositor y constructor de este instrumento Jef Denijn.</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-16808375356674036672020-05-20T20:22:00.000+02:002020-05-20T20:22:07.267+02:00¿Y qué leo ahora?<div style="text-align: justify;">
<b><i>Las aventuras de Tom Sawyer</i> de <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0c/Mark_Twain_by_AF_Bradley.jpg" rel="nofollow" target="_blank">Mark Twain</a></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1d/Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="581" height="320" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1d/Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg" width="232" /></a>Las aventuras de Tom Sawyer es el título de la famosa novela de Mark Twain de 1876. Cuenta la historia de un niño llamado Tom Sawyer en la ciudad ficticia de St. Petersburg cerca del río Missipi. La historia tiene lugar en la década 1840 y St. Petersburg está basada en la localidad de Hannibal en Missuri donde Twain pasó su infancia. En esta novela, Tom Sawyer sufre varias aventuras junto con su mejor amigo <a href="http://laesquinadelacultura.blogspot.com/2019/08/escuchar-la-musica.html" rel="nofollow" target="_blank">Huckleberry Finn</a>. Aunque es un clásico de la literatura estadounidense, no fue un gran éxito en un inicio, pero se acabo convirtiendo en la novela mejor vendida durante la vida de Twain. Esta novela tiene una secuela, <i>Las aventuras de Hucleberry Finn</i>, que aunque no es tan conocida como la historia protagonizada por Tom Sawyer también está considerada como una obra maestra y fue una de las primeras novelas escritas con una máquina de escribir. Además de la localización de la historia en St. Petersburg basada en Hannibal, la historia tiene ciertos pasajes inspirados en la vida de Twain. Ha sido criticada severamente por ser entendida como racista debido al trato y descripción de los nativos americanos, caracterizados por Joe y por el vocabulario hacia los negros. Las aventuras de Tom Sawyer ha tenido diferentes adaptaciones a diferentes formatos (cine, teatro, animación...).</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="color: lime;">Lo mejor:</span></b> su reflejo de la sociedad estadounidense de la época.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="color: red;">Lo peor:</span></b> en ciertos momento no pasa nada muy importante, aunque no se hacen pesados.</div>
<br />jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-60527790514799400092020-04-12T18:36:00.000+02:002020-04-12T18:36:01.315+02:00Volver a empezar<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/71/Serpiente_alquimica.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="621" data-original-width="625" height="317" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/71/Serpiente_alquimica.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>El uróboros</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Es el nombre con el que se conoce al símbolo del ciclo eterno, la lucha eterna o el esfuerzo sin fin o inútil. También escrito como ouroboros o uroboros, viene del griego "que se come la cola" y se suele representar como una serpiente o un dragón que forma un círculo al comerse la cola. Este símbolo se ha utilizado a lo largo de miles de años por diversas culturas, de forma similar en todas ellas. Ejemplo de ello es su uso por parte de los antiguos egipcios, como las representaciones jeroglíficas del sarcófago de la <a href="http://egiptologia.org/piramides/unis/piramide_unis.jpg">pirámide de Unis</a>, de hacia 2300 a. C. También se pueden encontrar en la cultura nórdica mediante la serpiente Jörmundgander que creció de tal manera que rodeo el mundo y tuvo que coger la cola con sus dientes, para los escandinavos también representaba el querer conseguir el conocimiento de lo oculto. También representaba a algunos fenómenos naturales que suben hasta un punto, pero siempre acaban cayendo como es el Sol o las olas, la naturaleza que vuelve a empezar. Por ello se ha relacionado con el mito de <a href="https://content3.cdnprado.net/imagenes/Documentos/imgsem/56/5656/56564b06-1c34-474d-97c9-6adea6574c93/f9d40f04-4df2-4d54-bcb3-0a10bb482916.jpg" rel="nofollow" target="_blank">Sísifo</a> que fue castigado a subir una ladera empinada empujando una gran roca y antes de acabar esta caía una y otra vez y Helio, quien, como dios del Sol sale al amanecer y desaparece tras el horizonte en el ocaso. En el campo de la alquimia se utilizaba para la representación de los materiales que nunca desaparecen sino que cambian de forma. El primer texto de esta materia donde aparece representado es en Chrysopoeia del siglo II, escrito en Alejandría por Cleopatra la Alquimista. Se reproduce como mitad blanco, mitad negro, como las dos partes de un todo, como lo consciente y lo inconsciente o la vida y la muerte, que puede recordar al yin y yang</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-56240782405856922602020-03-08T08:08:00.000+01:002020-03-08T08:08:06.480+01:00Ver el arte<div style="text-align: center;">
<u>La Virgen de los Obreros o Ensueño</u></div>
<div style="text-align: justify;">
Estos son los títulos con los que se conoce a la obra de <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/81/Vicente_Cutanda_Autorretrato.jpg" rel="nofollow" target="_blank">Vicente Cutanda</a> que presentó a la Exposición Nacional de Bellas Artes del año 1897. En la actualidad y desde 1992 se encuentra en el Museo de Santa Cruz de Toledo, ciudad en la que realizó gran parte de su obra pictórica y falleció en 1925.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-uVitP-phWoA/XgZXcL6ycBI/AAAAAAAAEUs/yndKn8kFyFoh23dom7kY0DbmAyAytfRoACNcBGAsYHQ/s1600/Vicent_Cutanda_y_Toraya_-_Ensue%25C3%25B1o.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="940" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-uVitP-phWoA/XgZXcL6ycBI/AAAAAAAAEUs/yndKn8kFyFoh23dom7kY0DbmAyAytfRoACNcBGAsYHQ/s320/Vicent_Cutanda_y_Toraya_-_Ensue%25C3%25B1o.jpg" width="188" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/86/Vicent_Cutanda_y_Toraya_-_Ensue%C3%B1o.jpg" rel="nofollow" target="_blank">VER IMAGEN SIN NÚMEROS</a></td></tr>
</tbody></table>
<ol>
<li>Vicente Cuntanda representa la escena en los Altos Hornos de Vizcaya, en un ambiente totalmente de industrial de finales del siglo XIX, algo que se ve reflejado en diferentes ocasiones en la obra de este pintor y que le dio reconocimiento. Un ejemplo de esto es su obra La huelga de los obreros de Vizcaya con la que en 1892 consiguió la Medalla de primera clase de la Exposición Nacional de Bellas Artes.</li>
<li>La protagonista es una mujer que va de camino a la fábrica con su hijo para llevarle la comida a su marido que carga en la cesta que lleva en la otra mano. La mujer rehuye la mirada y camina cansada hacia el lugar del trabajo de su marido resignada.</li>
<li>No solo es resignación, también porta esperanza y la vida, dentro de un ambiente de humos resaltados por esos colores grises, marrones y sin brillo que inundan la imagen, en contraste con las otras dos mujeres a la derecha de la escena que se entreven cuyo gesto es todavía más triste y solamente portan la cesta de comida. Se puede sentir con solo echar una rápida mirada al cuadro se un ambiente agobiante y una sensación de que no se puede respirar.</li>
<li>Dentro de los grises, se pueden medio ver dos halos blancos en las cabezas de la mujer y del niño, es la representación de la Virgen. Una representación de una Virgen que rompía con todas las imágenes tradicionales de la madre de Jesús. Representa la imagen de una Virgen realista para la época, algo que remarca con las pinceladas rápidas y erráticas, no quiere retocar la obra. La realidad tiene fallos, no es artificial.</li>
</ol>
</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-25797145749244182132020-02-05T16:17:00.000+01:002020-02-05T16:17:03.002+01:00No es Munch todo el arte noruego<br />
<b>
<div style="text-align: center;">
<a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b6/Gustav_Vigeland_1929.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; display: inline !important; float: left; font-weight: bold; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="414" height="320" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b6/Gustav_Vigeland_1929.jpg" width="276" /></a><b><u>Gustav Vigeland</u></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>(1869-1943)</u></b></div>
</b><br />
<div style="text-align: justify;">
Aunque el artista más conocido de Noruega es <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/67/Edvard_Munch_1921.jpg">Edvard Munch</a>, el país escandinavo también ha sido la cuan de otros menos conocidos como es el caso de Gustav Vigeland. Nacido en Mandal, al sur de Noruega, en 1869 era el tercer hijo de una familia de artesanos y contables. Hermano del también artista <a href="https://media.snl.no/system/images/32297/standard_emanuel-vigeland.jpg">Emanuel Vigeland</a>. Desde joven destacó en el trabajo de la madera, por lo que fue enviado a trabajar en Oslo bajo las órdenes del escultor Floed. A los 17 tuvo que volver, debido a la muerte de su padre y estuvo viviendo con su madre y sacando a su familia adelante durante dos años. Transcurridos los mismos regresó a Oslo, dónde mostró sus dibujos al escultor <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ac/Brynjulf_Bergslien.jpg">Brynjulf Bergslien</a> quien le consiguió la ayuda financiera del profesor de hustoria del arte <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f5/Lorentz_Dietrichson.jpg">Lorenz Dietrichson</a>, que consideraba a Vigeland como un genio. La obra Hagar og Ismael de 1889 expuesta en en la Exposición Nacional de Escultores, le hizo ganador de una beca que le permitió viajar por Europa. En viaje conoció la obra de <a href="https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/fotos/rodin.jpg">Auguste Rodin</a> en París y Italia el arte antiguo y del Renacimiento. A su vuelta empieza a realizar sus primeras exposiciones, con criticas dispares, las cuales no le salvaron de la miseria. En esos años trabajó en diversos encargos como el de la restauración de la catedral de Trondheim, el cual dejó en 1902. En busca de un buen taller donde trabajar, volvió a Oslo, coincidiendo con la independencia por parte de Noruega de Suecia en 1905. Gracias a este hecho histórico Vigeland que era considerado el mejor escultor noruego recibió muchos encargos para celebrar la cultura e historia del país. Uno de estos encargos fue el de la ciudad de Oslo que le cedía un taller a cambio de los derechos de propiedad de toda su obra. El taller de Kirkeveien se convertiría más tarde en el Museo Vigeland. En 1906 presentó la fuente monumental, que se emplazaría en frente al Parlamento Nacional, pero como no se estaba de acuerdo en su emplazamiento definitivo, hasta que se llegó a la decisión definitiva para su ubicación, Vigeland añadió varios grupos escultóricos que culminó en 1919 con la realización de una columna de granito. Todo este proyecto, se instaló el parque Frogner que se encontraba cerca de su propio taller y que recibiría el nombre de parque de Vigeland. Fallecería en 1943 y cuatro años después se terminaría de instalar todo el conjunto escultorico en el parque según el diseño de Gustav Vigeland. Sus cenizas se encuentran en la torre del Museo de Vigeland, tal y como estaba previsto, junto a algunas de sus obras.</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-575515724586355474.post-77428668360239966462020-01-21T12:00:00.000+01:002020-01-21T12:00:04.929+01:00Construir edificios<div style="text-align: center;">
<a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/68/Lenin_Mausoleum.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="489" data-original-width="800" height="195" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/68/Lenin_Mausoleum.jpg" width="320" /></a><u><b>Mausoleo de Lenin</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
Tras la muerte en 1924 de <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c6/Bundesarchiv_Bild_183-71043-0003%2C_Wladimir_Iljitsch_Lenin.jpg" rel="nofollow" target="_blank">Vladímir Ilich Uliánov</a>, conocido como Lenin, se levantó por ordenes del gobierno soviético el mausoleo que permitiese exponer el cuerpo embalsamado del líder soviético. Desde ese momento, salvo en momentos de guerra se encuentra el cuerpo. Fue construido a partir del diseño del arquitecto <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d0/%D0%A9%D1%83%D1%81%D0%B5%D0%B2_%D0%90%D0%BB%D0%B5%D0%BA%D1%81%D0%B5%D0%B9_%D0%92%D0%B8%D0%BA%D1%82%D0%BE%D1%80%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87.png" rel="nofollow" target="_blank">Alekséi Shchúsev</a>, el cual se inspiró en los mausoleos de la antiguedad como la <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2e/Saqqara_pyramid_ver_2.jpg" rel="nofollow" target="_blank">Pirámide de Zoser</a> en Egipto y la <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/62/Pasargadae%2C_Ir%C3%A1n%2C_2016-09-24%2C_DD_07.jpg" rel="nofollow" target="_blank">tumba de Ciro el Grande</a> y fue construido con granito. Lenín murió el 21 de enero de 1924 y tan solo dos días después, tras haber sido embalsamado el cuerpo, se encargo a Shchúsev la construcción de la tumba en tres días. Así el 27 de enero se construyo un mausoleo de madera en la <a href="http://laesquinadelacultura.blogspot.com/2013/03/blog-post.html" rel="nofollow" target="_blank">Plaza Roja de Moscú</a>. Se tubo que esperar hasta agosto de ese mismo año a que <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/96/%D0%9A%D0%BE%D0%BD%D1%81%D1%82%D0%B0%D0%BD%D1%82%D0%B8%D0%BD_%D0%9C%D0%B5%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%B8%D0%BA%D0%BE%D0%B2_%D1%83_%D0%BF%D0%B0%D0%B2%D0%B8%D0%BB%D1%8C%D0%BE%D0%BD%D0%B0_%D0%9C%D0%B0%D1%85%D0%BE%D1%80%D0%BA%D0%B0.jpg" rel="nofollow" target="_blank">Konstantín Mélnikov</a> construyera un sarcófago más "adecuado" para la ocasión. Cuatro años después y para que se preservase mejor el cuerpo, siendo encargado este nuevo mausoleo a Alekséi Shchúsev, I.A. Frantsuz y G.K. Yákovlev, terminándose en 1930. Fue construido con mármol, pórfidos, granito y labradorita. Desde 1953 y 1961 el dictador cuerpo de <a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f1/JStalin_Secretary_general_CCCP_1942.jpg" target="_blank">Iosef Stalin</a> se encontraba junto a Lenin, siendo retirado con el proceso de desestalinización. En 1973 se construiría el sarcófago definitivo de manos de Nikolái Tomski. Desde 1924 y hasta 1993 hubo una guardia de honor durante las 24 horas del día y que es conocida como "Centinela número uno", siendo traslada en 1993, a la Tumba del soldado desconocido. En la actualidad es una de las mayores atracciones turísticas de Rusia y se cierra un par de meses al año para retocar el cuerpo de Lenin. Se ha planteado el cierre y traslado del cuerpo a una tumba común en varias ocasiones, pero no se ha realizado este cambio ni se ha decidido este final, hasta que no se consiga un consenso de todos los rusos</div>
jmphttp://www.blogger.com/profile/16371111291587229220noreply@blogger.com0