viernes, 30 de diciembre de 2011

Aquí hay tomate

El origen de esta planta lo encontramos en la zona tropical del centro y sur de América. Se cree que su nombre proviene del nombre azteca 'tomatl', 'xitomate' o 'xitotomate'. Los europeos introdujeron la planta en el viejo continente en el siglo XVI, pero no se cultivó con fines alimenticios hasta bien entrado el siglo XVIII.  Es un fruto con un elevado contenido en vitaminas y minerales. Por ejemplo, cada cien gramos de tomate contienen del orden de 1.700 UI de vitamina A y 21 mg de vitamina C. También contiene vitaminas del grupo B y minerales como el Calcio, Fósforo y Hierro.
El tomate, al igual que la berenjena, el pimiento o la patata, pertenece a la familia de las solanáceas. Su nombre científico es Lycopersicum lycopersicum (sinónimo de Lycopersicum esculentum). Es una planta perenne, esto significa que en su ambiente natural puede vivir varios años. La planta de la tomatera tiene un olor muy característico debido a los pelos con glándulas que cubren todas las partes verdes de la planta. El tallo crece de forma rastrera por el peso de sus frutos. Las hojas de la tomatera son compuestas, esto significa que cada una está dividida en otras más pequeñas o foliolos. Cada hoja tiene siete o nueve foliolos. Existen muchas variedades de tomate, pero las más usuales son las siguientes:
  • Tomate de ensalada
  • Tomate de rama
  • Tomate Cherry
  • Tomate de colgar
  • Tomate Montserrat:
  • Tomate de Pera
La tomatera es una planta de clima cálido, por lo tanto se debe cultivar en primavera y en verano. El trasplante se puede realizar cuando ya no hay riesgo de heladas, durante el mes de marzo en las zonas próximas al mar o los meses de abril y mayo en zonas de interior. A los dos meses del trasplante, si el clima es favorable, se tendran los primeros tomates y la planta producirá frutos durante todo el verano hasta que llegue el frío o se agoten los nutrientes del sustrato. El crecimiento de la tomatera obligará a podarla dejando sólo uno o dos brotes en cada planta. Con esto se conseguirá que crezca mejor y que la cosecha sea más temprana. Otra tarea importante es atar la planta a un tutor.

miércoles, 28 de diciembre de 2011

El flotar no se va a acabar

La densidad del agua en estado solido
El agua tiene un comportamiento diferente a la mayoría de líquidos: cuando pasa a estado sólido aumenta de volumen. Esto es así porque la densidad del hielo es menor que la del agua. Como consecuencia de este fenómeno, el hielo flota en el agua. Si se llena completamente de agua un recipiente y se cierra herméticamente para luego congelar, al solidificarse el agua generará una enorme presión que si no es soportada por el recipiente, este deformaría o estallaría. Cuando el agua líquida baja su temperatura y llega a 0 º C, su densidad es de 0,9999 kg / litro (permaneciendo en estado líquido). Si se retira del líquido un poco más de calor, pasa al estado sólido y sufre una intempestiva disminución de densidad (y un consiguiente aumento de volumen), pasando a tener una densidad de 0,917 kg / litro (a la misma temperatura, es decir 0 ° C) Una consecuencia de todo ello es que el agua se congela de arriba abajo. En lugares donde la temperatura es menor de 0 ° C el agua del mar y los lagos se enfría. Cuando empieza a congelarse, el agua en lugar de precipitar al fondo queda en la superficie y flota. Todo ello permite que el agua y los seres vivos del fondo queden protegidos de las temperaturas exteriores muy bajas.

lunes, 26 de diciembre de 2011

La parte bonita de la navidad

En Inglaterra, Boxing Day (día de las cajas) se celebra el 26 de diciembre. En este día se suele abrir cajas de madera o arcilla (Christmas Box) que contenían regalos para la gente pobre. Los inicios de esta tradición viene de la entrega de cajas para ayudar a la gente pobre o gente de la clase trabajadora. Más tarde en el siglo 18 los nobles y caballeros con dinero regalaban cajas con comida y ropa que les sobraba a los trabajadores de sus tierras. esta tradición continua en la actualidad e incluso se envían cajas en este día a países pobres, esto último hace desde colegios de Inglaterra. El día 26 también es conocido como St Stephen's Day. Ahora, además de ser un día de caridad y de solidaridad es un día donde se celebran cacerías, comidas en familia y compras.

domingo, 25 de diciembre de 2011

Ver el arte

La Adoración de los Reyes Magos de Fray Juan Bautista Maíno,representa una escena del Nuevo Testamento (Mateo 2, 2-12) que narra la Adoración de los Reyes Magos al Niño Jesús en presencia de la Virgen María, San José y dos criados. Tras su viaje a Italia y quizás por el norte de Europa, Maíno recibe el encargo de pintar para los monjes dominicos de Toledo el retablo mayor de San Pedro Mártir, con el tema de las Cuatro Pascuas: Navidad , Epifanía, Resurrección  y Pentecostés. Es una obra que se encuentra en el Museo Nacional del Prado
  1. Iluminados por la luz de la estrella que les guió hasta Belén, una estrella muy esquemática la cual parece que no tiene un trabajo muy elaborado, pero que ilumina la escena, la venida del señor. 
  2. Ubicado en el cuerpo bajo de la calle derecha del retablo, Maíno acentúa la calidad táctil tanto de las telas como de los materiales de las copas metálicas, la naveta de nácar del rey negro o de las plantas. Hay que decir que su padre era un comerciante de telas milanes y de allí, es posiblemente de donde venga el gran detallismo que tienen las telas, ya que convivió con ellas desde que era pequeño.El lugar donde se sitúa la escena es dentro del coliseo de Roma representado de esta forma en la época.Es una señal que deja Maíno diciendo que él estuvo allí e informándonos de que él sabe realmente como es el edificio.
  3. Además de la recuperación de la verosimilitud, destaca la expresión de los contenidos anímicos de los protagonistas del hecho religioso, representados en los rostros y la rica gestualización de las manos. 
  4. Antes de concluir el encargo el pintor ingresa en la Orden. Está firmado en el sillar del asiento de la Virgen.
  5. Maíno realiza un autorretrato como paje de los reyes, al lado de el rey Baltasar. Se encuentra mirando a la la gente que viene a visitar al recién nacido. Ademas señala a Jesús, especificando que es es el protagonista del cuadro y el cual es el mesías.

viernes, 23 de diciembre de 2011

¿Y qué leo ahora?

Cuento de Navidad

Historia escrita por Charles Dickens, que condena la avaricia y ensalza las más sencillas virtudes hogareñas.  Publicada a mediados del s. XIX, se narra la historia del avaro Mr. Scrooge, a quien durante una gélida Nochebuena, solo en su casa, se le aparecerán en una noche tres espíritus, que representan su pasado, su presente y su futuro. Tras esta visita y tras visionar la soledad y la muerte que le aguardan, debido a que no tiene amigos ni familia y que se ha encerrado en su mundo de avaricia, Mr. Scrooge cambiará su modo de ver la vida. A través de los sueños que le sobresaltan, Dickens sabe evocar todas las nostalgias de la Navidad. Y muestra que el principal calor de estos días nace del cariño en los hogares; manipula con genio el escalofrío y la risa para ofrecer una mezcla deliciosa de fábula navideña, cuento de miedo y sátira de costumbres. Ha habido varias películas sobre este libro la más reciente ha sido una de animación de Jim Carrey
Lo mejor: la enseñanza de que siendo una persona amable se va a todos lados
Lo peor: Un poco pesado (para mí)

miércoles, 21 de diciembre de 2011

Escuchar la música

Let's Call The Whole Thing Off
Un clásico del Jazz. Escrito en 1937 por George y Ira Gershwin par la película "¿Bailamos?"  e interpretado por Ella Fitzgerald y Louis Armstrong en 1959, anteriormente interpretado por Billie HolidayFred Astaire with Johnny Green y Brian Wilson la interpretó en 2010. Muy conocido por su letra en la que hombre y mujer alternan la pronunciación de determinadas palabras, esto es un símbolo de las distintas clases sociales de un país ya que cada clase social habla de una forma distinta (en cualquier país)  La canción habla justamente de dos personas que se enamoran. Su amor comienza a crecer y no saben a dónde los va a llevar; pero tampoco saben si van a poder estar juntos en el final. Por lo tanto tienen que hacer algo para solucionar este creciente problema. A medida que transcurre la letra podemos escuchar cómo cada uno pronuncia distintas palabras, para marcar las diferencias regionales y sociales entre ellos. Y se plantea el dilema de si deben cortar con la relación o no, pero teniendo en cuenta que la consecuencia sería romper el corazón del otro. Plantea la cuestión del amor en dos individuos de clases sociales distintas. La problemática es completamente contemporánea a nuestros días en los que sigue habiendo una gran brecha social entre el estrato más alto y los más bajos.


La letra se pude encontrar en Blues for peace

lunes, 19 de diciembre de 2011

Arte Pop

 Mujer en el baño de Roy Lichtenstein
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje. Los representantes de este movimiento son Richard HamiltonRoy LichtensteinTom Wesselmann y  Andy Warhol.

domingo, 18 de diciembre de 2011

Morirse es caro y encima te hacen trabajar

Caronte
El que en la mitología griega, caronte tiene la misión de pasar las almas, a través de los pantanos del Aqueronte, hasta la orilla opuesta del río de los muertos; éstos, en pago, deben darle un óbolo. De ahí la costumbre de introducir una moneda en la boca del cadáver en el momento de enterrarlo. Aquellos que no podían pagar tenían que vagar cien años por las riberas del Aqueronte, hasta que Caronte accedía a portearlos sin cobrar. Se representa a Caronte como un viejo muy feo, de barba gris e hirsuta, vestido de harapos y en ocasiones con un sombrero redondo. Conduce la barca fúnebre, pero no rema; de ello se encargan las mismas almas. Se muestra con ellas tiránico y brutal, como un verdadero subalterno. Cuando Heracles (Hércules) descendió a los Infiernos, obligó a Caronte a pasarlo en su barca, y como éste se negara, el héroe se apoderó de la percha y le propinó tal paliza que el otro no tuvo más remedio que obedecer. Por otra parte, Caronte fue castigado luego por haber permitido que un vivo penetrase en el reino de los muertos; por ello estuvo un año encadenado. Otros dos mortales consiguieron cruzar el Aqueronte. Uno fue Orfeo, quien con sus cantos encantó a Caronte y a Cerbero para rescatar a su amada, Eurídice, del inframundo. La otra fue Psique, que por órdenes de Afrodita tuvo que bajar al infierno en busca de un frasco de agua de Juvencia.

miércoles, 14 de diciembre de 2011

Los últimos indios americanos en el abecedario, los primeros en ser descubiertos

Los Zuni o Zuñi fueron la primera tribu que encontraron los exploradores españoles en el año 1539. El primero en ver una población zuni fue Fray Marcos de Niza, y la describió como construida con paredes de adobe que brillaba como el oro . cuando recibían los rayos del sol del atardecer. En su informe al virrey español con sede en la ciudad de México explico que había encontrado las fabulosas Siete Ciudades de Cibola, cuyas calles estaban empedradas con oro. Los españoles enviaron una partida militar para hacerse cargo de la ciudad, y los zuni se refugiaron en una meseta inaccesible y construyeron una ciudad a unas treinta millas al sur de Gallup, en Nuevo México, que continua siendo el centro de la reserva de la tribu zuni, en la que unos 5.000 personas de vida sedentaria se dedican a la agricultura. En la actualidad, son 9.000 personas que viven en la comunidad del Pueblo Federal Zuñi que son divididos en siete clanes. Cada clan tiene un color símbolo y un animal que representa la localidad o medio ambiente. Son conocidas por la capacidad de manosear la plata y la turquesa y en las tierras donde habitan siguen practicando la agricultura, como también de hacer los fetiches, que estos pueblos acreditan que vive un dios que les da un cierto poder mágico en su interior. Por algún motivo o por casualidad la palabra apache que viene de la palabra apachu que define el nombre de una tribu indígena norteamericano significa enemigo en el idioma de los zuñi.

lunes, 12 de diciembre de 2011

Júpiter cacareó y puso un planeta

Júpiter
Júpiter comparándolo con la Tierra
Es el planeta más grande del Sistema Solar, tiene más materia que todos los otros planetas juntos y su volumen es mil veces el de la Tierra. Júpiter tiene un tenue sistema de anillos, invisible desde la Tierra. También tiene 16 satélites. Cuatro de ellos fueron descubiertos por Galileo en 1610.Júpiter tiene una composición semejante a la del Sol, formada por hidrógeno, helio y pequeñas cantidades de amoníaco, metano, vapor de agua y otros compuestos. La rotación de Jupiter es la más rápida entre todos los planetas y tiene una atmósfera compleja, con nubes y tempestades. Por ello muestra franjas de diversos colores y algunas manchas. Los anillos de Júpiter son más simples que los de Saturno. Están formados por partículas de polvo lanzadas al espacio cuando los meteoritos chocan con las lunas interiores de Júpiter. Tanto los anillos como las lunas de Júpiter se mueven dentro de un enorme globo de radiación atrapado en lamagnetosfera, el campo magnético del planeta. Este enorme campo magnético, que sólo alcanza entre los 3 y 7 millones de km. en dirección al Sol, se proyecta en dirección contraria más de 750 millones de km., hasta llegar a la órbita de Saturno.

Las lunas de Júpiter
Hace 400 años, Galileo dirigió su telescopio rudimentario hacia Júpiter y vió que lo acompañaban tres puntitos. Continuó mirando y, cuatro días más tarde, descubrió otro. No podian ser estrellas, porque había observado que giraban alrededor del planeta.
  1. Ganímedes: es el satélite más grande de Júpiter y también del Sistema Solar, con 5.262 Km.
  2. Calisto: tiene un diámetro de 4.800 km. Es el que tiene la densidad más baja de los cuatro satélites de Galileo.
  3. Io: tiene 3.630 Km. de diámetro y gira a 421.000 Km. de Júpiter en poco más de un día y medio.
  4. Europa: tiene 3.138 Km. de diámetro. Su órbita se sitúa entre Io y Ganímedes, a 671.000 Km. de Jupiter. Da una vuelta cada tres días y medio.
En total hay 63 el último fue descubierto en 2003 pero, los famosos son los cuatro anteriores.

domingo, 11 de diciembre de 2011

El amor irlandes

El anillo Claddagh
La historia del anillo Claddagh, mistico y hermoso, tiene su origen hace 300 años en una antigua aldea pesquera de Claddagh, justo a las afueras de la ciudad de Galway, en la costa oeste de Irlanda. La leyenda cuenta que un hombre del lugar, Richard Joyce, fue capturado por piratas y vendido como esclavo a un rico joyero turco justo antes de casarse. Mientras trabajaba como orfebre decidió labrar un anillo único para entregárselo a su prometida cuando volviera. Ideó así el anillo Claddagh. Con el tiempo, Richard Joyce se hizo un gran artesano y ganó su libertad. Volvió a Irlanda y descubrió que su enamorada le había estado esperando, así que le entregó el anillo y finalmente se casaron, permaneciendo juntos por siempre.Actualmente el anillo es muy usado en Irlanda donde hombres y mujeres lo regalan para demostrar su amor. Incluso existe una tradición por la que las madres se lo pasan a sus hijas, de generación en generación, el día de su boda.
El anillo está formado por un corazón sujeto por dos manos y completado por una corona. 
  • Corona: Significa la lealtad 
  • Manos: Significan la amistad 
  • Corazón: Significa el amor 
El anillo pude significar distintas cosas dependiendo de como lo lleves puesto, si estás enamorado, llévalo en la mano derecha con el corazón girado hacia dentro para mostrar que perteneces a alguien. En cambio,si estás casado, llévalo en la izquierda, con el corazón girado hacia dentro.

viernes, 9 de diciembre de 2011

Ver el arte

Goya en su cuadr Saturno devorando a su hijo, igual que hizo Rubens en su Saturno para la Torre de la Parada, ha elegido el momento en que el dios del tiempo desgarra el cuerpo de su hijo para que ninguno pudiera destronarle. Pero Júpiter escapó al rito antropófago de su padre y consiguió acabar con su tiranía.
  1. Según la mitología, el dios Saturno o Cronos debía eliminar a todos sus hijos para evitar que lo destronaran. Así, cuando nacían de su mujer, Rea, él directamente se los comía. 
  2. La pintura es una de sus pinturas negras, que colocó en su casa, la Quinta del Sordo, en la planta baja frente a los Dos Viejos y junto a Judith y Holofernes. Se trata de pinturas oscuras, realizadas originalmente con la técnica de óleo a secco, es decir, en la pared; posteriormente pasadas a lienzo. Se trata de una pintura muy desgarradora, que simboliza el paso del tiempo ya que Cronos o Saturno era el dios del tiempo. Así, el tiempo nos devora inexorablemente y de forma cruel, algo que atormentaba al pintor. 
  3. Se trata de una pintura muy cruel, llena de dramatismo, sobre todo visto en dos puntos: la boca del dios desgarrando la carne de su propio hijo y la mancha de color representado la sangre. Esta última es verdaderamente desconcertante, ya que es una simple mancha, sin dibujo, resaltando el carácter espontáneo. 
  4. Goya representa al dios como un verdadero monstruo, con unos ojos saltones y atormentados, locos de ira. Así, representa al tiempo como un animal inexplicable que nos devora. Sería una imagen del tiempo- melancólica por parte de Goya, que ya mayor, representa su nostalgia del tiempo pasado. 
  5. De fondo negro, nos representa de cuerpo entero a un personaje desdibujado, cuya deformidad es evidente y que produce mucho más dramatismo en la escena. Así, otro elemento que representa dicha crueldad, que apenas es dibujado es una simple mancha que sale de la nada oscura. 

miércoles, 7 de diciembre de 2011

De un bando a otro bando se va andando

Abate Sieyès
(1748 - 1836)
De nombre completo:Emmanuel Joseph Sieyès fue político de la Revolución francesa. Este clérigo sin vocación era vicario general de Chartres desde 1787. La lectura de los filósofos de la Ilustración y la observación de los problemas de su tiempo le llevaron a adoptar ideas liberales, que plasmó en un "Ensayo sobre los privilegios" escrito en 1788y sobre todo en "¿Qué es el Tercer Estado?" de 1789. Este panfleto, que adquirió una gran difusión durante el proceso de convocatoria de los Estados Generales, defendía una visión política revolucionaria según la cual la soberanía reside en la nación y ésta la componen los ciudadanos que se rigen por una misma Ley; esto excluía a los estamentos privilegiados y legitimaba que el Estado Llano reformara por sí solo las instituciones de la Monarquía ( de aquí se entiende que era favorable a la Revolución Francesa que que tendrá lugar ese mismo año). Ante la resistencia de los privilegiados a introducir las reformas necesarias, fue él quien propuso romper con la legalidad del Antiguo Régimen y erigirse en Asamblea Nacional; redactó el Juramento del Juego de Pelota, que comprometió a los diputados en la tarea de dar a Francia una Constitución; y contribuyó a elaborar la Declaración de Derechos del Hombre y del Ciudadano. Sieyès podría haber sido, por todo ello, el gran dirigente de la Revolución; pero no lo fue, debido quizá a las limitaciones de su oratoria, y así la Revolución de 1789 pasó a la historia sin el liderazgo de una personalidad sobresaliente. Siguió apoyando las medidas revolucionarias (como la división administrativa de Francia en departamentos, la Constitución Civil del Clero o la ejecución de Luis XVI); pero mostró también una cierta moderación, defendiendo la limitación censitaria del sufragio en la Constitución de 1791. Cuando la Revolución se inclinó hacia posturas radicales en 1792-94, Sieyès se mantuvo en un discreto segundo plano, limitándose a votar con la mayoría; pero tras la caída de Robespierre volvió a adquirir protagonismo en la reconducción de la Revolución hacia posiciones liberales moderadas: fue presidente de la Convención thermidoriana y del Consejo de los Quinientos y miembro del Directorio que asumió el Poder Ejecutivo en 1795. El temor a las fuerzas reaccionarias que podían destruir la obra de la Revolución le llevó a participar en las conspiraciones para instaurar un gobierno autoritario: fue el principal inspirador del golpe de Estado que en 1799 llevó al poder a Napoleón Bonaparte. Luego colaboró con su régimen como cónsul del triunvirato gobernante y como redactor de laConstitución del año VIII; pero Napoleón impuso enseguida sus propios criterios conservadores, estableciendo una dictadura personal y apartando a Sieyès con nombramientos puramente honoríficos (senador, académico, conde y par de Francia). Tras la caída de Napoleón en 1815, se exilió en los Países Bajos y no regresó hasta 1830.

martes, 6 de diciembre de 2011

Estamos en Facebook

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lunes, 5 de diciembre de 2011

芸者 una artista

Las Geishas
La palabra Geisha significa literalmente persona de las artes o artista. En la antigüedad, esta palabra se utilizaba para referirse sobre cualquier persona que perteneciera a las artes (poesía, teatro, pintura), pero se extendía a otros sectores (religioso, deporte, maestros de lenguas extranjeras, e incluso para referirse a los cirujanos de la época), también se designaba con este nombre a los que actuaban en locales cerrados o privados, que quizás es lo que se acerca también a la idea de la Geisha. En el año 1779, las Geishas fueron reconocidas como artistas, y se adoptó el sistema "Kenban" para supervisar a las geishas de la zona, y restringió su número por debajo de 100 artistas, protegiendo así a las geishas de que cayeran en la prostitución. El kenban, permanece aún hoy en día funcionando como una especie de sindicato de las geishas. Las geishas vivían en “hanamachis”,En la actualidad, son cinco comunidades en Kyoto: Ponto-cho, Gion-Kobu, Gion-Higashi, Miyagawa-cho, y Kamishichiken. Las geishas de Kyoto hablaban en dialecto "kiotense", que se sigue hablando en la actualidad. En kiotense geisha es geiko. Muchas prostitutas trataban de imitar el estilo de las geishas, pero no tenían la formación artística de éstas. Se vestían en kimonos, con exceso de maquillaje y excesos de adornos en el peinado, por lo que por nuevo edicto del shogun Tokugawa, y para protección de la imagen de las geishas, se obligaba a las mismas a moderar su vestuario y maquillaje para poder diferenciarlas de las prostitutas. Ellas sólo se encargaban de distraer a los hombres, con amenas conversaciones, con danza, o tocando el shamisen. Las geishas que bailaban se denominaban Tachikata, y las que se dedicaban a tocar un instrumento, Jikata. El tiempo de la geisha con cada hombre, se media en varitas de incienso, cuando ésta se consumía había finalizado su tiempo. Las geishas contaban con un pacto de silencio, por lo que cualquier hombre podía estar tranquilo con las conversaciones que se mantuvieran delante de ella, o con ella.

Indumentaria
Usan pelucas de pelo natural, que en japonés se llaman katsura desde 1990. Éstas eran confeccionadas a la medida de la cabeza, y de la fisonomía de la cara de la geisha. Actualmente se ha convertido en un negocio, y existen tiendas especializadas en su confección. Su cara se pinta en blanco, y no deja la línea del color de su piel, ésta es recubierta con la katsura. Sus mejillas llevan un polvo color rosa. Las cejas las pinta de negro, y sus dos labios van pintados de rojo en su totalidad.Utilizan kimonos discretos, son colores más bien planos, sin estampados, o si los llevase no tan llamativos a primera vista. Hakimonoes el nombre genérico que recibe el calzado usado por las GeishasLas geisha llevan zuecos y sandalias, éstos reciben el nombre de Geta.

domingo, 4 de diciembre de 2011

Batido de hormiga, ¡Umm!

Los Osos Hormigueros
El oso hormiguero no tiene dientes, pero su larga lengua,esta lengua puede alargarse más de 60 cm es lo bastante eficaz para atrapar las 35.000 hormigas y termitas que engulle cada día. Utiliza sus afiladas garras para abrir agujeros en los hormigueros y poner en funcionamiento su largo hocico y su hábil lengua. Pero tiene que comer rápido, sacando y metiendo la lengua hasta 160 veces por minuto. Las hormigas contraatacan con dolorosas picaduras, por lo que sólo puede pasar un minuto deleitándose en cada montículo. Para encontrar sus presas estos animales no se guían por la vista (que en su caso es escasa) sino por el olfato. El hábitat del oso hormiguero es en América Central y del Sur, preferentemente en selvas tropicales y pastizales. Existen cuatro especies distintas, con grandes diferencias de tamaño entre ellas. El oso hormiguero sedoso es del tamaño de una ardilla, mientras que el gigante puede llegar a medir más de dos metros desde el hocico a la cola. Algunas especies, como el tamandúa y el oso hormiguero sedoso, ejercen su oficio en los árboles. Van de rama en rama en busca de ricos insectos. Por lo general, los osos hormigueros son animales solitarios. Las hembras tienen cada año una única cría, que a veces puede verse montada sobre el lomo de su madre. Aunque los osos hormigueros no son agresivos, pueden llegar a ser muy violentos. Un ejemplar acorralado se pondrá de pie sobre sus patas traseras, usando su cola para mantener el equilibrio, y arremeterá contra su atacante con sus peligrosas garras. Las garras del oso hormiguero miden unos diez centímetros, y le sirven para enfrentarse incluso a pumas y jaguares. Por desgracia es un mamífero amenazado

viernes, 2 de diciembre de 2011

Ver el arte

El David de Verrocchio realizado en 1467, fue un encargo de Juliano y Lorenzo de Medicis. Es una escultura realizada en bronce que se encuentra en el palacio de Bargello de Florencia y representa un tema muy desarrolado a lo largo de la historia, no olvidar el David de Miguel Ángel
  1.  Normalmente para analizar esta escultura se compara con el David de Donatello. El de Verrocchio es mucho más joven y modesto.
  2.  La cabeza de Goliat está a los pies de David. No hay escena de sangre, ni de movimiento. Es justo el momento posterior, cuando en calma David mia su victoria.
  3.  La leyenda del rey David, por todos conocida. En este caso se representa a un David joven, con cierto toque gótico en su belleza y su postura.
  4.  El David de Verrocchio es uno de los ejemplos de escutua renacentista brillante. Sigue la idea de la Antigüedad con la curva praxiteliana, la musculatura marcada

miércoles, 30 de noviembre de 2011

La nieve para tejer

El algodón es una fibra vegetal natural de gran importancia económica como materia prima para la fabricación de tejidos y prendas de vestir. La generalización de su uso se debe sobre todo a la facilidad con que la fibra se puede trenzar en hilos. La resistencia, la absorbencia y la facilidad con que se lava y se tiñe también contribuyen a que el algodón se preste a la elaboración de géneros textiles muy variados. Producen el algodón una serie de árboles y arbustos pequeños. El capullo se transforma al desarrollarse en una bola oval que, cuando madura, se abre y descubre gran número de semillas de color café o negras cubiertas de una masa de pelos blancos. Cuando maduran por completo y se secan, cada uno de estos pelos es una célula, aplanada, con un acusado retorcimiento en espiral y unida a una semilla. La longitud de las fibras individuales oscila entre 1,3 y 6 cm. De las semillas nacen además otras fibras más cortas. El algodón exige una estación de crecimiento prolongada con abundante sol y agua y tiempo seco durante la recolección. En general, estas condiciones se dan en latitudes tropicales y subtropicales de los hemisferios norte y sur. El cultivo del algodonero suele ser anual; la primera labor es el tronzamiento (corte) mecánico de la parte aérea de las plantas; a continuación se entierran estos restos vegetales y se deja descansar el suelo hasta el laboreo. La época de plantación es muy corta y tras ella, las plantaciones deben ser sometidas a cuidados intensos, ya que estas plantas son muy sensibles al ataque de las malezas y parásitos.
Aplicaciones del algodón
Además de prendas de vestir y objetos domésticos, el algodón se usa en productos industriales como filtros para acondicionadores de aire, balsas salvavidas, cintas transportadoras, carpas, neumáticos de automóvil, piscinas, cascos de seguridad o ventiladores de mina.

lunes, 28 de noviembre de 2011

Don es trato de varón, Res selvático animal, Mi denota posesión, Far es lejos en inglés, Sol ardiente esfera es, La al nombre es anterior, Si asentimiento es...

Guido d'Arezzo
(991-1033)
Teórico de la música italiano. Conocido también con el nombre de Guido Aretinus, Guido d’Arezzo fue un monje benedictino que ha pasado a la historia de la música como uno de los más importantes reformadores del sistema de notación musical. A Guido se debe la fórmula que permite memorizar la entonación precisa de las notas del hexacordo mayor, cuya nomenclatura (ut o do, re, mi, fa, sol, la) extrajo de las sílabas iniciales de cada hemistiquio del himno de san Juan Ut queant laxis. Intentó aplicar su sistema científico para la enseñanza de la música; sin embargo, ante la oposición de parte de los monjes a sus innovaciones, hubo de abandonar el monasterio. Hacia 1025 ingresó como maestro en la escuela catedralicia de Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte vocal. En Arezzo halló entonces apoyo a su reforma; el obispo Teobaldo lo eligió maestro de canto de los "pueri" de la escuela episcopal. Experimentados y perfeccionados en dicha ciudad sus métodos, Guido d'Arezzo pudo componer, durante el período 1028-1032, sus obras más importantes. Mientras tanto, la labor de Guido d'Arezzo recibía la aprobación del pontífice Juan XIX, quien confió al músico la instrucción de los cantores papales. En 1029 se retiró al convento de Avellana, en el que posiblemente murió en fecha que no se ha logrado precisar. De la idea de Guido se derivó también un nuevo elemento didáctico y teórico, el hexacordio, es decir, la sucesión de los seis sonidos diatónicos de "ut" a "la", que dio origen, más tarde, a un sistema complejo que se empleó hasta el siglo XVI y más allá. Pero el sistema hexacordial no está desarrollado ni en la Epístola ni en otros escritos de Guido; nació probablemente entre sus mismos discípulos o inmediatos seguidores. La carta contiene, en cambio, otras consideraciones sobre los intervalos musicales, sobre los modos y el sistema monocorde no muy notables y tampoco muy claras.

domingo, 27 de noviembre de 2011

Escuchar la música

Mozart componiendo el Réquiem
Réquiem
Según la leyenda, el músico la compuso con la idea de que se trataba de su propio Réquiem, encargado por un mensajero de la muerte.En el último año de su vida, se presentó a Mozart, que estaba ya enfermo y deshecho, un taciturno desconocido, que le entregó una carta y desapareció. Era el encargo anónimo de una misa de réquiem, con promesa de buena recompensa. El fúnebre desconocido se volvió a presentar unos días después y pagó un anticipo, recomendando a Mozart que no descuidase su obra. Volvió luego, de vez en cuando, para vigilar el progreso del trabajo. Era, sencillamente, el camarero del conde Franz von Walsegg, rico aficionado que tenía la debilidad de encargar obras a los grandes músicos para hacerlas ejecutar luego haciéndolas pasar por suyas.Se entregó a la composición del Réquiem con el máximo empeño y, al mismo tiempo, con la firme persuasión de que aquella obra había de ser también su canto fúnebre. En efecto, no pudo terminarla. 
La obra fue completada por su discípulo Franz Xaver Süssmayer (1766-1803), quien, en los últimos años de la vida del maestro, había vivido en estrecha intimidad artística con él. No es fácil determinar exactamente cuál es la parte debida a Süssmayer. Parece cierto que de los doce fragmentos que componen elRéquiem, sólo el primero -el "Réquiem" (Adagio) seguido del "Kyrie" (Allegro) fugado- salió absolutamente terminado de las manos de Mozart. Los ocho fragmentos siguientes parecen haber sido orquestados en su redacción definitiva por Süssmayer según esbozos de Mozart que aseguran a lo menos la autenticidad de su diseño metódico y de sus principales intervenciones instrumentales. Las tres partes últimas ("Sanctus", "Benedictus" y "Agnus Dei") parecen ser totalmente de Süssmayer, quien, sin embargo, se sirvió cuanto pudo de la música preexistente de su maestro.El frecuente empleo del contrapunto y del estilo fugado significa para algunos críticos la inexorabilidad de la muerte; pero es también un mero tributo al estilo que era casi obligado por aquel tiempo en la música sacra. La instrumentación es singularmente sobria por la exclusión de las flautas, de los oboes, de los clarinetes comunes y de las trompas; en cambio, tienen en ella gran papel, además de la masa de los instrumentos de cuerda, los "corni di bassetto", especie de clarinetes más graves que los normales que agradaban mucho a Mozart. Los pasajes dramáticos y fuertes están indudablemente llenos de carácter y diligentemente expresados (es de notar el efecto de un lento trino vibrado sobre el "Quantus tremor est futurus"); pero no alcanzan la penetrante intimidad expresiva, la honda sinceridad de los pasajes en que se funde una melancolía dulcísima y fatigada: el "Recordare, Jesu pie" y el sublime "Lacrimosa". Probablemente a la prudente redacción de Süssmayer se debe atribuir la brevedad, tal vez excesiva, de cada uno de los trozos (nótese que el "Réquiem", única parte que Mozart escribió por entero, es el más largo de todos): Mozart no era escritor conciso. Al contrario, especialmente en los años de su madurez, se entregaba a aquella "divina largura", a aquella complacencia en su propio discurso, a aquel abandono despreocupado, que se hallan a menudo en músicos de temperamento poético, como Schubert y Brahms. Tal vez a este incompleto desarrollo, más aún que a la uniformidad de colorido y a la convencional expresión de ciertos pasajes, se debe atribuir la vaga insatisfacción que en algunos momentos deja esta última obra maestra del gran músico de Salzburgo.

viernes, 25 de noviembre de 2011

¿Y qué leo ahora?

Doña Perfecta
Benito Pérez Galdós
 Cuenta la historia de Pepe Rey que llega a Orbajosa para casarse con su pima, por un matrimonio concertado. El protagonista, una persona liberal entrará en una sociedad conservadora, no será bien recibido. Todas las perepecias de Pepe Rey se ven reflejadas en este libro, que es una critica a la sociedad conservadora . Es una novela realista escrita en 1876 por Benito Pérez Galdós, y ha sido llevada al cine en 1950 por Alejandro Galindo y 1977 por el director y gionista César Fernández Ardavín.
Lo mejor: La forma sutil de la crítica
Lo peor: Pude se algo aburrido si no se conoce la historia de España en esa época

miércoles, 23 de noviembre de 2011

Hasta un hombre prehistórico les hubiese descubierto

El Hombre de Piltdown
El cuadro pintado por John Cooke en1915, conmemorativo al descubrimiento del hombre de Piltdown.

Una vez se pensó que el hombre de Piltdown era el "eslabón perdido" entre el hombre y el mono. Los primeros fragmentos de Piltdown fueron descubiertos en 1912. De allí en adelante, más de 500 ensayos científicos fueron escritos acerca del hombre de Piltdown en un período de 40 años. El descubrimiento probó ser un engaño en 1953.El Hombre de Piltdown consistía de dos cráneos humanos, una quijada de orangután, una muela de elefante, un diente de hipopótamo, y un colmillo de chimpancé. Sir Kenneth Oakley ha determinado que los cráneos humanos tienen aproximadamente 620 años. Han podido haber pertenecido a Indios Ona de la Patagonia, debido a que sus cráneos eran usualmente densos. Cráneos densos es un rasgo común entre los indios Ona. La mandíbula de orangután tiene aproximadamente 500 años, tal vez proviene de Sarawak. Se piensa que la muela de elefante proviene de Tunisia. Se piensa que el diente de hipopótamo vino de Malta o tal vez Sicilia. El colmillo perteneció a un chimpancé del Pleistoceno. Los restos del Piltdown fueron esparcidos a propósito alrededor de una cantera en Piltdown, Inglaterra, para que fueran "descubiertos" más tarde como evidencia de la evolución y el desarrollo del hombre desde el mono. Los cráneos habían sido tratados con ácido. A todos los restos de fósiles se les aplicó una solución de sulfato de hierro. El colmillo fue pintado de marrón y remendado con goma de mascar. Las muelas fueron limadas. Rompieron cuidadosamente la parte de la mandíbula del orangután que la conectaba al cráneo, para que no mostrara evidencia de que la mandíbula no pertenecía a un cráneo humano. Se piensa que el engaño del hombre de Piltdown fue perpetrado por Charles Dawson, un arqueólogo, geólogo y coleccionista de fósiles para el Museo Británico. Sin embargo, nadie sabe a ciencia cierta quién estuvo involucrado. Existe un número de otros sospechosos, incluyendo a Sir Arthur Smith Woodward, encargado del departamento del Museo de Historia Natural de Inglaterra. El hombre de Piltdown fue obviamente un engaño deliberado. Después de una investigación crítica, el engaño fue descubierto rápidamente. Sin embargo, el "resultado" no fue investigado propiamente sino hasta cuarenta años después del "descubrimiento" inicial. Esto fue debido primeramente a las excelentes credenciales de los hombres que hicieron el "descubrimiento." Muy pocos expertos sospecharon un fraude. No fue sino hasta 1949, cuando los fósiles fueron fechados usando la técnica de absorción de flúor, que la autenticidad del "descubrimiento" fue puesta en duda. Es verdad que la prueba de flúor no se desarrolló sino hasta muchos años después del engaño. Sin embargo, las marcas de limado en los dientes, y el hecho de que el "desgaste" era al revés, pudo haber sido obvio inmediatamente durante cualquier inspección desde el principio mismo.

lunes, 21 de noviembre de 2011

Dijo "ceré belo" cuando era pequeño, y así se quedó

El cerebelo es, después del cerebro, la porción más grande del encéfalo. Ocupa la fosa craneal posterior y se localiza debajo de los lóbulos occipitales del cerebro, del que está separado por una estructura denominada tienda del cerebelo. Consta de dos hemisferios cerebelosos y una parte intermedia denominada vermis. Se une al tallo cerebral mediante tres pares de pedúnculos cerebelosos; estos pedúnculos son haces de fibras que entran y salen del cerebelo, en cuya superficie aparecen numerosos surcos superficiales próximos unos a otros.


Función del cerebelo

El cerebelo desempeña un papel regulador en la coordinación de la actividad muscular, el mantenimiento del tono muscular y la conservación del equilibrio. El cerebelo precisa estar informado constantemente de lo que se debe hacer para coordinar la actividad muscular de manera satisfactoria. A tal fin recibe información procedente de las diferentes partes del organismo. Por un lado, la corteza cerebral le envía una serie de fibras que posibilitan la cooperación entre ambas estructuras. Por otro lado, recibe información procedente de los músculos y articulaciones, que le señalan de modo continuo su posición. Finalmente, recibe impulsos procedentes del oído interno que le mantienen informado acerca de la posición y movimientos de la cabeza. Así, toda actividad motora, desde jugar al fútbol hasta tocar el violín, depende del cerebelo.

domingo, 20 de noviembre de 2011

¿Sabías que...?

Bostezar podría servir para enfriar la cabeza y no solo ser una indicación de fatiga y aburrimiento, o señal de empatía, bostezar podría ser un mecanismo para enfriar la cabeza, según un estudio dirigido por Andrew Gallup, de la Universidad de Princeton.Gallup y Eldakar Omar, de la Universidad de Arizona, encontraron que la frecuencia de bostezos varía con la estación del año. Las personas bostezan menos cuando el calor al aire libre es mayor que la temperatura corporal, lo que podría deberse a que el bostezo serviría como un método para que el cerebro regule su temperatura.En el estudio los participantes fueron más propensos a bostezar en el invierno, en comparación con el verano cuando la temperatura ambiente era igual o superior a la temperatura corporal.El estudio concluyó que las temperaturas más altas no dan alivio a cerebros sobrecalentados, pues de acuerdo con la teoría de la termorregulación del bostezo el cerebro regresa a la calma o se enfría a través de un intercambio de calor con el aire aspirado durante un bostezo. Se cree que el efecto de enfriamiento del bostezo es el resultado del incremento del flujo sanguíneo al cerebro causada por el estiramiento de la mandíbula, así como por una contracorriente de intercambio de calor que se genera con el aire ambiental que acompaña a la inhalación profunda. De acuerdo con la hipótesis de enfriamiento del cerebro, bostezar en demasía es contraproducente, pues las inhalaciones más profundas no promueven el enfriamiento. En otras palabras, debe haber una “ventana térmica” o un rango relativamente estrecho de temperaturas ambiente en el que se esperan tasas más altas de bostezar.

viernes, 18 de noviembre de 2011

Ver el arte


Sátira del suicidio romántico por Leonardo Alenza realizado en 1839, es una pintura al óleo que se encuentra en el Museo Nacional del Romanticismo (Madrid). Leonardo Alenza participó en la exposición del año 1839 con esta "Sátira del suicidio romántico" y su pareja, "Sátira del suicidio romántico por amor". Tratado en el "Werther" de Goethe, el suicidio se convierte en auténtico mito durante el Romanticismo europeo. Ya las críticas en la prensa de la época, y durante toda su trayectoria posterior, señalaron el incisivo tono irónico que supo plasmar el pintor, integrándose en la línea crítica hacia los excesos románticos de sus contemporáneos, encabezada por su amigo Mesoneros Romanos. Sin embargo, la obra está imbuida de esa desesperación y el vacío que acuciaron al intelectual romántico, la relación entre la muerte, la belleza y lo sublime, se expresan aquí en un paisaje abismal, nocturno y desolado.
  1. El protagonista es el típico literato bohemio, con larga cabellera alborotada y ropaje suelto, como un bohemio romántico. Es el centro de la escena, clavándose un puñal en el corazón con actitud trascendental. Alenza se mofa de su momento, que hasta entonces los románticos lo veían como algo eterno.
  2.  El ideal romántico seguía la idea de suicidio porque su melancolía, la locura propia del bohemio, no les dejaba vivir.
  3. En el montículo están las pertenencias del romántico: una cruz con laurel, un frasco con una pluma y diversos libros apilados son los objetos simbólicos que representan el romanticismo.
  4.  En el fondo una escena de muerte, con un personaje ahorcado y otro con un tiro en la cabeza, muertos ambos. El modo de representar las diferentes muertes del romanticismo.
  5.  Usa un fondo simple, casi neutro sino fuera por la poca vegetación que hay.
  6.  El autor se reía de las típicas escenas románticas de desesperacion en la literatura y el arte en general, por lo que hizo dos cuadros de sátira sobre el suicidio: éste y otro que se llama Suicidio por amor. En ambos usa la misma sencillez de formas y espacio, con colores vivos, para expresar una escena costumbrista. Alenza es el precursor del arte costumbrista español y se relacionó su estilo con el de Goya.

miércoles, 16 de noviembre de 2011

El pintor de las medallas

Luis Menéndez Pidal
(1864 -1932)
Pintor español. Hermano del poeta y folclorista Juan Menéndez Pidal y del filólogo Ramón Menéndez Pidal, en 1875 se trasladó con su padre a Sevilla, que había sido destinado allí como magistrado. El ambiente artístico de la capital andaluza será vital en su inclinación por la pintura. Con todo, su padre insistirá en que curse la carrera de Derecho, que llevará a cabo en Madrid. A la muerte su padre, en 1880, ingresó en la Academia de Bellas Artes de Oviedo, ciudad a la que se había trasladado la familia. En 1885, de nuevo en Madrid, ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes. En 1888 se produce su consagración como pintor en la exposición celebrada en el Círculo de Bellas Artes, en la que presenta su "Éxtasis de San Francisco". Asimismo, obtiene el primer premio de un concurso convocado por La Ilustración Española y Americana por su cuadro sobre la leyenda de Zorrilla "A buen juez, mejor testigo", que fue medalla de segunda clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1890. Ese mismo año fue nombrado profesor de "Formas en la naturaleza y en el arte" de la Escuela Superior de Artes Industriales. En 1901 obtiene la cátedra de Arte Decorativo en la Escuela de Artes y Oficios y en 1907 la de Dibujo y Ropaje en la Escuela Superior de Bellas Artes. En los años siguientes, vuelve a su Asturias natal, de la que pintará tipos y paisajes en cuadros como "La Cuna Vacía", que obtuvo la medalla de primera clase en la Exposición de Bellas Artes de 1892. En 1905, participó en el centenario de la publicación del Quijote con el cuadro "Don Quijote ante los duques" y en 1906 ingresó en la Academia de Bellas Artes. Al año siguiente, se le encarga la organización de la sala dedicada a Velázquez en el Museo del Prado. En 1909 celebró una exposición individual, tras la que partió hacia América. En 1918 pintó una de las cúpulas de la iglesia de San Francisco el Grande de Madrid. De producción amplia pero irregular, pintó abundantes retratos, de entre los que destacan el de su hermano Ramón, el de su tío Alejandro Pidal y los de los reyes.Otras obras suyas son "Salus infirmorum", medalla de primera clase en la exposición de 1899, "Plañideras egipcias", "El espejo del bufón" y "Una tarde en Pajares".

lunes, 14 de noviembre de 2011

Los pintores también graban

Autorretrato de Goya que es un grabado 
Los grabados
Entendemos por grabado el resultado del trabajo realizado sobre una superficie de madera o metal, llamada plancha, por medio de instrumentos cortantes, punzantes o de ácidos que atacan la superficie metálica. El resultado es la estampa, soporte generalmente de papel al que se ha trasladado la imagen por medio de la tinta, al poner en contacto la hoja con la plancha grabada entintada y ejercer presión con un tórculo o una prensa vertical. Por extensión también recibe el nombre de grabado la estampa así realizada, de manera que se confunde el proceso con el resultado.Existen diferentes técnicas para trabajar las planchas de metal:
  • El aguafuerte es el procedimiento de grabado en el que sobre una plancha metálica cubierta por una fina capa de barniz protector se dibuja con una punta metálica el tema iconográfico. Al dibujar sobre el barniz protector éste se elimina. Al introducir la lámina en un baño de ácido, o aguafuerte, se produce la corrosión del metal en las zonas dibujadas, es decir, en las que se ha eliminado el barniz protector.
  • El aguatinta es un procedimiento de grabado que consiste en verter sobre la plancha una capa uniforme de resina. La plancha se calienta para que la resina se funda y se adhiera. Posteriormente, se introduce en ácido, y éste penetra en las partes en las que la superficie no está protegida por la resina.
  • El grabado a buril es el procedimiento de grabar sobre una plancha metálica muy pulida, haciendo incisiones muy profundas por medio de un utensilio llamadoburil, que extrae en su recorrido limaduras de la propia plancha. Los surcos resultantes se rellenan con la tinta, que pasará al papel cuando ambas superficies se pongan en contacto.
  • La punta seca es, al igual que el buril, una técnica de grabado directo. Consiste en dibujar directamente sobre la plancha metálica con una aguja de acero opunta seca.La litografía es una técnica diferente y más evolucionada en relación con el grabado en hueco. Se trata de dibujar con un lápiz graso, o lápiz litográfico,sobre una piedra calcárea denominada piedra litográfica.Para fijar este dibujo y que la grasa no pase a las zonas no dibujadas, se cubre toda la piedra con una leve película de goma arábiga acidulada. A continuación, se remoja la piedra con agua. Las superficies no dibujadas absorben el agua, y las dibujadas con el componente graso la rechazan.Seguidamente se pasa el rodillo impregnado en tinta grasa. De nuevo, la tinta se deposita únicamente sobre la zona dibujada, pues la humedad de la parte sin dibujar repele la tinta.Finalmente, el grabado se estampa con la ayuda de la prensa litográfica que hace que la tinta depositada sobre el dibujo de la piedra pase al papel.

domingo, 13 de noviembre de 2011

Me aburro, conquistemos esto, esto y esto. Hay tiempo para todo

Jaime I el Conquistador
(1208 - 1276)
Rey de Aragón, conde de Barcelona y señor de Montpellier y rey de Mallorca y de Valencia. Hijo del rey Pedro II el Católico y de María de Montpellier, Jaime I el Conquistador se convirtió en soberano de la Corona de Aragón con tan sólo cinco años, al morir su padre en la batalla de Muret. Tras una larga y turbulenta minoría de edad, en que los regentes del joven monarca, sus tíos el conde Sancho I de Rosellón y el infante Fernando de Aragón, sucesivamente, tuvieron que sofocar las continuas rebeliones de la nobleza aragonesa, Jaime I asumió la dirección de sus Estados en 1225 e intentó sin éxito conquistar Peñíscola. Dos años después, la paz de Alcalá rubricó el definitivo triunfo de la monarquía sobre los nobles de Aragón y proporcionó al rey la estabilidad necesaria para permitirle iniciar sus campañas militares dirigidas contra los musulmanes del levante peninsular. Ante el perjuicio que la competencia comercial y la piratería de los sarracenos de las Baleares ocasionaban a los mercaderes catalanes, Jaime I emprendió en 1229 la conquista de Mallorca con la victoriosa batalla de Portopí. Tras la toma de Ciudad de Mallorca, en diciembre de ese mismo año, se apoderó de la isla en pocos meses, salvo un pequeño núcleo de resistencia musulmana, que logró mantenerse en la sierra de Tramontana hasta 1232. Dominadas las Baleares, Jaime I asumió en 1232 la dirección de la conquista de Valencia. Tanto en Mallorca como en Valencia, Jaime I decidió crear reinos autónomos, pero integrados en la Corona de Aragón. Los últimos años de vida de Jaime I fueron amargos, ya que, por una parte, asistió al fracaso de sus dos tentativas de realizar una cruzada en Tierra Santa (1269 y 1274) y, por otra, tuvo que hacer frente a la rebelión de su primogénito, el infante Pedro, y a los desórdenes feudales acaudillados por su hijo bastardo Fernando Sanchís de Castro. Hombre culto e inteligente, Jaime I impulsó la expansión comercial catalana por el Mediterráneo, protegió a los judíos, organizó el Consell de Cent o gobierno municipal de Barcelona, promovió la redacción del Libro del Consulado de Mar, una compilación de derecho marítimo, y él mismo escribió o dictó una autobiografía conocida como "Llibre dels feyts". A su muerte, acaecida en Valencia el 27 de julio de 1276, dividió sus reinos entre sus hijos Pedro, al que correspondieron Aragón, Cataluña y Valencia, y Jaime, quien recibió las Baleares, el Rosellón y Montpellier.

viernes, 11 de noviembre de 2011

¿Cómo datar fósiles?

Uno de los sistemas utilizados es el método del carbono 14, aunque presenta una serie de problemas. El más elemental es que no es válido para datar fósiles de más de 50.000 años.El carbono 14 es un isótopo del carbono que se forma en las partes altas de la atmósfera, a partir del nitrógeno. Por tanto, el carbono 14, está presente en la atmósfera. Las plantas, cuando hacen la fotosíntesis, fijan en su interior carbono, y en él se incluye el isótopo llamado carbono 14. A lo largo de toda su vida, las plantas fijan carbono 14, y lo hacen hasta el momento en que mueren. A partir de su muerte, comienza el proceso de fosilización y, en él, empieza el proceso inverso: el carbono 14 empieza a transformarse de nuevo en nitrógeno.Midiendo la cantidad de carbono 14 y de nitrógeno que hay en el fósil, se puede conocer la edad aproximada de ese fósil. La masa de carbono 14 de cualquier fósil disminuye a un ritmo exponencial, que es conocido. Se sabe que a los 5.730 años de la muerte de un ser vivo la cantidad de carbono 14 en sus restos fósiles se ha reducido a la mitad y que a los 57.300 años es de tan sólo el 0,01 % del que tenía cuando estaba vivo. Sabiendo la diferencia entre la proporción de carbono 14 que debería contener un fósil si aún estuviese vivo (semejante a la de la atmósfera en el momento en el que murió) y la que realmente contiene, se puede conocer la fecha de su muerte. Los animales que no hacen la fotosíntesis sólo pueden fijar carbono 14 cuando se alimentan de organismos que sí hacen la fotosíntesis. Más sencillo: los animales sólo cogen carbono 14 cuando comen de las plantas. En el animal, cuando muere, empieza el mismo proceso que en la planta muerta. El carbono 14 comienza a transformarse en nitrógeno. Al medir la cantidad de carbono 14 y de nitrógeno se establece su edad. No son pocas las dificultades a las que tienen que hacer frente los científicos que utilizan el sistema del carbono 14. Lo cierto es que, para datar un fósil, han de tener en cuenta una serie de variables que dificultan el trabajo. Todas ellas han de tomarse en cuenta para que el resultado final del estudio sea lo más aproximado posible.El primer problema que se presenta es que la concentración de carbono que hay en la atmósfera en la actualidad puede no ser la misma que la que había cuando el animal murió. Para calcular la que había en aquel momento, se estudian, por ejemplo, burbujas de aire que quedan dentro del hielo de la Antártica.Cuando se calcula la edad a partir del carbono se habla de años de radiocarbono, y se debe distinguir años de radiocarbono de años de calendario. Porque 14.000 años de radiocarbono no son lo mismo que 14.000 años de calendario

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Escuchar la música

El rey de los alisos

En 1815, año de composición de la canción, un joven Schubert de tan sólo dieciocho años vive uno de las etapas más plenas, tanto en lo musical como en lo personal, de su existencia.Lo cierto es que Schubert, al igual que sus amigos, debía ser consciente de algo parecido pues esta canción, en su cuarta versión, fue la elegida para aparecer en 1821 como su primera obra editada como Opus 1, aunque, con posterioridad, el catálogo realizado por Otto Erich Deutsch en 1951 la clasificaría como D. 328. 
La canción se nos presenta como una balada, es decir, como una micro novela con cuatro personajes bien diferenciados: 
  1. Un narrador. 
  2. El padre. 
  3. El hijo. 
  4. El Rey de los alisos.
Un marcado y obsesivo ritmo en tresillos nos ilustra a la perfección la agitada carrera del jinete que las pequeñas escalas de la mano izquierda se encargan de hacer aún más angustiosa. Por otra parte, el empleo de la tonalidad de sol menor baña toda esta escena con una luz misteriosa y aterradora.Toda la primera sección de la obra  permanece estable en esta tonalidad de Sol menor hasta que la primera intervención del Rey  en un inocente Si b mayor inunda toda la escena de una siniestra claridad que nos hace estremecer más aún. El aterrado niño responde a la perversa invitación de nuevo en la tonalidad principal obligando al Rey a usar nuevas armas de seducción esta vez en la más remota y brillante tonalidad, maravillosa modulación, de Do mayor. El pobre crío vuelve a responder en modo menor, esta vez en la lógica tonalidad de La, que su padre se encarga de llevar hasta el Re menor. En los últimos treinta compases la tensión tonal llega a su punto culminante. La última intervención del Rey modula, de nuevo de forma maravillosa, y con unos sinuosos y embaucadores saltos en la melodía a un sorprendente Mi b mayor que, ante la resistencia del niño, la furia del monarca resuelve en un rabioso Re menor, única ocasión en toda la pieza en que le escuchamos cantar en ese modo. La desesperación del horrorizado niño llega al límite, de nuevo en una brusca modulación, esta vez en un Si b menor para resolver en el Sol menor del principio. 
En la última sección reaparece de nuevo el narrador relatándonos de forma apasionada el dramático final de la historia. Para finalizar, nada mejor que un austero recitativo y dos buenos acordes para dejarnos con la boca abierta y el corazón encogido. Esta canción de Schubert se hizo inmensamente popular desde el mismo momento de su publicación. La fuerza que desprende toda la partitura, en especial su acompañamiento pianístico, no pasó desapercibida para los compositores contemporáneos y de generaciones posteriores que adaptaron la obra al ámbito sinfónico con nuevas orquestaciones o, simplemente, transcribiendo la partitura a un solo instrumento.


lunes, 7 de noviembre de 2011

Ver el arte

Cristo crucificádo,Velázquez
  1. Habitual en el Barroco era hacerlos con vuelo, pero Velázquez prefirió hacerlo escueto para dar mayor énfasis al estudio de anatomía que prima en la obra.
  2.  Su influencia andaluza hacía que la representación careciese del dramatismo y sangre que se daba en los artistas castellanos.
  3. El halo místico resplandece en su cabeza, captando el aspecto religioso y sagrado de la figura.
  4. Cuatro clavos era la iconografía habitual en el siglo XVII y que Velázquez tomó de su mentor, Francisco Pacheco.
  5.  Signo clásico, la pierna se flexiona levemente para que sea la otra la que soporta el peso.
  6.  La influencia tenebrista se ve en el fondo oscuro y en la luz que incide en la cruz.
  7.  La incluencia clasicista se ve en su rostro sereno, caído hacia uno de sus lados.

domingo, 6 de noviembre de 2011

Amo a las mujeres de los polos

Las amapolas
También llamadas Papaver rhoeas tienen su origen en  Europa, África y Asia. Miden alrededor de los 70cm y esta compuesta de unas hojas simples en la base, alargadas y lobuladas y con pétalos arrugados en botones florales, mostrando al abrirse un bello color rojo intenso, por lo general presentan una mancha negruzca en la porción basal.. Es una hierba anual que está cubierta de pelos perpendiculares. Florece a finales de primavera y primeros días del verano. Tiene un fruto que es una cápsula, llena de semillas y te puedes manchar  al cortarla ya que suelta un látex blanco lechoso.

 Sus propiedades
  •  Las amapolas poseen propiedades tintoriales por lo que se emplea para dar color al vino, a ciertas medicinas y para teñir lanas.
  •  Las semillas de amapolas se utilizan para dar sabor a ensaladas de frutas, tartas de manzana, panes y pastas de verduras.
  •  Posee propiedades sedantes y antitusivas, se fabrican jarabes para la tos.
  •  Es ligeramente tóxica.
  •  Los pétalos de amapolas se pueden emplear como tisanas, mezclada con otras flores.
  •  Se han usado amapolas también contra el isomnio sobretodo en niños y ancianos.
  •  Cultivada en macizos florales. Taludes y praderas de colores.

¿Cómo se cultivan?


Se cultivan  a pleno sol.En un suelo más bien seco y pobre en sustancias orgánicas para las amapolas (terrenos baldíos, terraplenes, pastizales etc.) siendo muy común en bordes de caminos y campos.Tienen que tener riegos moderados una o dos veces por semana, según el tiempo y la estación y su semillas es de fácil germinación.

viernes, 4 de noviembre de 2011

Esta música rusa suena a mar

Nikolái Rimski-Korsakov
(1844-1908)
Compositor y director de orquesta ruso. Entre 1856 y 1862 estudió en la Escuela de Marina de San Petersburgo, a la vez que se formaba musicalmente. En 1859 comenzó a estudiar piano con F. A. Canille, quien le animó a componer y le presentó a Balakirev y Cui. Junto con estos dos, además de con Borodin y Mussorgsky, formaba el grupo de innovadores de los Cinco.En 1871, cuando aún era oficial de la marina, fue nombrado profesor en el Conservatorio de San Petersburgo, función que ejerció hasta su muerte. Abandonó el servicio en la marina en 1873, siendo entonces designado inspector de las orquestas militares de la tropa, puesto que mantuvo hasta 1884. Se dedicó entonces plenamente a la música. Fue director de orquesta en los conciertos de la Escuela gratuita de música de 1874 a1881 y subdirector de la Capilla Imperial de 1883 a 1893. A partir de 1886 dirigió también los conciertos sinfónicos rusos creados por Beliaiev. Desde principios de la década de los 90 hasta los primeros años del siglo XX presenta un período de gran creatividad, dedicado principalmente a la ópera. Rimski-Korsakov fue el miembro mejor preparado desde el punto de vista técnico del grupo de los Cinco. Como los demás músicos de su generación, buscaba plasmar en sus óperas un carácter más auténticamente ruso en los temas y la música que sus predecesores. Parte de personajes de la poesía popular, de viejos cuentos, de ritos eslavos, de temas legendarios fantásticos y del romanticismo de Oriente y trata la ópera con gran variedad de estilos y riqueza musical. Pero también se ocupa de temas en los que la tendencia política se manifiesta claramente, como en "El gallo de oro" escrita en un año entre 1906 y 1907. Maestro de la orquestación, ocupa un lugar destacado en la música sinfónica de finales del siglo XIX, llegando su influencia hasta Debussy y Ravel. Escribió, entre otras muchas piezas, tres "Sinfonías" entre 1865 y 1884; "Sinfonietta sobre temas rusos" de 1884, "Capricho español" en 1887 y "Sheherezade" escreita en el año 1888. Entre sus óperas se encuentran títulos como "Mlada" terminada en 1890; "Noche de Navidad" ; "Sadko" y "Leyenda de la ciudad invisible de Kitej y de la virgen Fevronia" terminada tres años antes de su muerte.

miércoles, 2 de noviembre de 2011

Manual del buen ladrón. Tema 1: Abrir cerraduras

Una cerradura tiene comúnmente 5 pines... lo que hace la llave de la cerradura es, levantar los pines hasta cierto punto, en que "encajen", por decirlo así, para poder girar la cerradura. Si los pines no estan encajados correctamente, la cerradura no girara. El procedimiento es sencillo, una vez los pines están encajados solo se necesita presión para girar la cerradura, en el lockpicking, este es el trabajo de la tension wrench, mientras se hace presión con esta, los pines se mantienen en el lugar hasta donde se suban con la ganzua, hasta el momento en que los pines estén situados correctamente ("encajados"), una vez esto ocurra, la tension wrench girara junto con la cerradura, y esta se abrirá.
  1. Sin una llave en la cerradura, los pines de control (azules) son empujados hacia abajo, evitando que el tambor (amarillo) gire.
  2. Cuando se inserta la llave correcta, los espacios entre los pines-llave (rojos) y de control (azules) quedan alineados con el borde del tambor (amarillo)
  3. Cuando los espacios entre los pines están alineados con la linea de corte, el tambor (amarillo) puede girar libremente.

lunes, 31 de octubre de 2011

El escritor de los beatos del apocalipsis

Beato de Liébana
Imagen de uno de los libros
Uno de los personajes más importantes durante la monarquía asturiana, y sin duda el de mayor transcendencia desde los puntos de vista religioso y cultural, fue este monje del Monasterio de Santo Toribio de Liébana -entonces San Martín de Turieno-, que además de escribir una extensa obra literaria, participó, junto con Eterio, obispo de Osma y discípulo suyo, en una importante controversia teológica con Elipando, obispo metropolitano y primado de Toledo, en la que tuvieron que intervenir el Papa Adriano I e incluso Carlomagno. Nacido antes del año 750, nada se sabe de los orígenes de Beato, aunque por su nivel de conocimientos y por la bibliografía que manejó, que no parece probable existiera previamente en un lugar tan apartado de los Picos de Europa, se ha dado en suponer que pudo emigrar hacia Asturias en tiempos de Alfonso I, quizá como parte de una comunidad monástica de origen visigodo que habría sobrevivido hasta entonces en la meseta castellana, que también habría transportado su biblioteca, fundando el monasterio que hoy llamamos Santo Toribio de Liébana. Desde el punto de vista de la literatura religiosa, escribió los doce libros de sus "Comentarios al Apocalipsis de San Juan", muy avanzado en el año 776 aunque no lo daría por terminado hasta el 786 como consta en la dedicatoria a su discípulo Eterio. Esta gran obra pasó a ser en los siglos siguientes el origen de un amplio conjunto de magníficos manuscritos miniados que lo han convertido en libro más conocido del medievo europeo, aunque su original no ha llegado hasta nosotros.No conocemos la fecha de su muerte, que debió ser antes del descubrimiento de la tumba del Apóstol Santiago. Parece que después de la vuelta de Alfonso II al trono en el año 791 se redujo considerablemente su influencia en la corte asturiana, ya que, aunque se sabe que en el año 799 recibió una carta de Alcuino de York, no se tienen otras noticias de sus últimos años.

domingo, 30 de octubre de 2011

La Basílica de la Santa Sangre

La Basílica de la Santa Sangre, es un pequeño templo católico que se encuentra en la ciudad de Brujas, en Bélgica, que se ha convertido en un atractivo cultural por su belleza arquitectónica y decorativa. Pero entre los que siguen la religión católica, este lugar tiene una importancia particular, y es que allí está una de las reliquias más veneradas, que es la sangre de Cristo, recogida por José de Arimatea
La leyenda dice que este hombre limpió la sangre de Jesucristo con un pedazo de tela justo después de la crucifixión y lo guardó durante mucho tiempo, tras de lo cual pasó por diferentes lugares hasta que terminó allí. Esta pequeña basílica se encuentra en una esquina de la plazoleta Burg y tiene dos espacios principales, que son su nivel bajo que está hecho en estilo románico y el alto que es gótico. La capilla baja de la Basílica de la Santa Sangre, es la llamada de St. Basil, que es la única de estilo románico en esta parte de Bélgica, siendo del siglo XII y fue construida por Diederik, el conde de Alsacia. Este lugar tiene una nave corta, pasillos estrechos y un coro; pero su parte más hermosa está en la parte que conecta la puerta principal con la nave, en donde hay un tímpano pequeño y esculpido en ese mismo siglo, que muestra el bautizo de San Basilio. Por su parte, la capilla que está arriba fue convertida al estilo gótico y tiene unas decoraciones un poco más modernas, con varios vitrales que tienen una belleza artística inigualable y que iluminan con sus colores el interior. La reliquia de la Santa Sangre está en este sitio, dentro de un tabernáculo que tiene la escultura del cordero de Dios, en una de las capillas laterales de este lugar.

viernes, 28 de octubre de 2011

Ver el arte

En 1908, en un valle del Danubio, concretamente en el yacimiento paleolítico de Willendorf, cerca de Krems en la Baja Austria, el arqueólogo Josef Szombathy descubrió una pequeña estatuilla femenina, de apenas 11 cm. que constituyó el primer descubrimiento de una pieza escultórica de época prehistóricase trataba de la Venus de Willendorf. Su utilización: se barajan también diversas posibilidades: desde que fuera una estatuilla votiva para ser venerada, a que se utilizara como amuleto, dada su pequeña talla, o incluso a que pudiera ser un instrumento de penetración sexual en determinados ritos de fertilidad. Esta "estatua" se realizó en el año 20.000 a.C en arte paleolítico.


  1. La escultura tiene hiper desarrollado el abdomen, las mamas y las nalgas. Se ha teorizado acerca de la representación de la fertilidad. También se ve un simbolismo de riqueza, de bienestar, ya que era la voluptuosidad símbolo del buen estado de salud.
  2. La escultura no tiene pies o por lo menos no han sido conservados. Se ha querido ver la posibilidad de que fuera sólo un amuleto, por lo cual tenía que ser llevada por alguien.
  3. El material usado es piedra caliza oolítica, que se pintó con color rojo ocre.
  4. Realmente el rostro no está tallado, sino que en su lugar se ponen una especie de trenzado que podría ser el pelo o un gorro.
  5. Dado su antigüedad y la falta de datos, es imposible hacer una correcta lectura de la escultura por nadie. Sin embargo, dado que tiene tres rasgos significativos: piernas hinchadas, sexo pronunciado, mamas y abdomen hinchado, no hay dudas de que la fertilidad era un tema muy importante en la cultura prehistórica.